Lost in a Movies'ocean

Le roi et moi

2011-12-17T18:08:00.013+01:00

The king and I

Walter Lang - 1956

Il fallait peut-être que je m'impose un autre de leur grand succès pour m'en convaincre: les comédies musicales du duo Rodgers & Hammerstein ne sont décidément pas faites pour moi. Je vais donc m'en tenir à cette bonne vieille « Mélodie du bonheur », classique familial sucré mais plus justement dosé, et tâcher d'oublier cet interminable mélo meringué aux relents colonialiste.

« Le roi et moi » c'est l'histoire d'une institutrice anglaise du XIXème siècle, pleine de bonnes intentions, qui est appelée au royaume de Siam pour éduquer le souverain, ses femmes et ses multiples enfants (autrement dit leur enseigner les bonnes moeurs occidentales). Il paraît que la tolérance est le fil rouge de toutes les comédies musicales du tandem Rodgers & Hammerstein. L'intention est sans doute louable mais on comprendra qu'ici, elle n'a pas du tout l'effet escompté. Dans « South Pacific », le combat contre le racisme était déjà très maladroit; dans « Le roi et moi », les messages de tolérance se vautrent dans la complaisance mielleuse et dans le maternalisme éhonté. Aussi, si la jolie veuve se prend d'affection pour les petits barbares et leur culture, lorsqu'il s'agit de faire bonne figure devant la reine d'Angleterre, elle ressort l'argenterie et les crinolines...

Sur le fond, on a donc affaire à un film niais, civilisateur, et désuet, qui flirte avec le mauvais goût. Même en restant à la surface de l'intrigue, il est difficile de se satisfaire de ressorts dramatiques peu palpitants (l'histoire platonique entre Anna et le roi de Siam, l'histoire secondaire entre les deux amants birmans) ou d'un dénouement totalement bâclé (où l'esclavage est aboli en un tour de main, tandis que le roi se meurt sans trop d'explication). Le ton extrêmement premier degré du film n'aide évidemment pas à faire passer la pilule: « Le roi et moi » ne comporte pas une miette d'humour, si on excepte les cabotineries nauséabondes de Yul Brynner en roi despotique et idiot (dont la première réplique est « who who who!!! », sic).

Sur la forme, c'est malheureusement tout aussi indigeste. Comme la tradition le veut, Hollywood méprise délibérément toute forme de vraissemblance dès lors qu'il s'agit de dépeindre une culture orientale. Les costumes et les décors ultra kitsch baignent le film dans un exotisme de pacotille, tandis que le choix des acteurs (en majorité des latinos déguisés en asiatiques, à grand renfort d'eye-liner) fait un peu grincer des dents. La musique reste le seul bon point du film, même si l'ensemble manque de panache. La partition de Richard Rogers est de qualité, en particulier le thème « The March of the Siamese Children », mais les paroles de Hammerstein rendent la plupart des chansons insipides. Hormis « Getting to know you » et « Shall we dance » (deux chansons sur lesquelles l'eternelle Marni Nixon prête sa voix à Deborah Kerr), on ne retiendra finalement pas grand chose du livret musical.

Bref, je ne suis pas totalement hermétique à la niaiserie d'habitude, mais subir en prime une intrigue aussi poussiéreuse m'a rendu « Le roi et moi » particulièrement pénible. D'autant que le film est assez interminable (même la séquence la plus originale du film, la variation asiatique de « Oncle Tom's cabin », traîne en longueur) et que la mise en scène de Walter Lang est très statique. Après une version non chantée, une version animée, une version modernisée, et les multiples représentations du musical sur scène, je crois qu'il est grand temps de relayer les vieux ouvrages au placard et d'oublier pour de bon les mémoires d'Anna Leonowens.

Récapitulatif - Mois de Août 2011

2011-11-26T16:39:00.002+01:00

FILMS VUS

* La chèvre (Veber) ●●●○○
* Le vent de la plaine (Huston) ●●●●○
* Le Nouveau Monde (Malick) ●●○○○
* Un numéro du tonnerre (Minnelli) ●●●○○ --> sur ce blog
* Superman II - Director's cut (Donner) ●●○○○
* Ma nuit chez Maud (Rohmer) ●●●●○
* Viva Zapata! (Kazan) ●●●○○
* Piège de cristal (McTiernan) ●●●○○
* N'oublie jamais (Cassavetes fils) ●○○○○
* L'arnacoeur (Chaumeil) ●●●○○
* The Swimmer (Perry) ●●●○○
* La piel que habito (Almodovar) ●●●○○
* Le guépard (Visconti) ●●●○○
* Témoin à charge (Wilder) ●●●●○
* Melancholia (Von Trier) ●●●○○
* L'extravagant Mr Deeds (Capra) ●●○○○
* Du silence et des ombres (Mulligan) ●●●●○

FILMS REVUS

* Sur la route de Madison (Eastwood) ●●●●●

Récapitulatif - Mois d'Octobre 2011

2011-11-26T16:35:00.003+01:00

FILMS VUS

* Lucky Star (Borzage) ●●●○○
* James Bond 007 contre Docteur No (Young) ●●○○○
* Bons baisers de Russie (Young) ●●●○○
* Drive (Winding Refn) ●●●●○
* The artist (Hazanavicus) ●●●○○
* Les vikings (Fleischer) ●●●○○
* Mariage incognito (Stevens) ●●●○○
* Les proies (Siegel) ●●●○○
* L'as des as (Oury) ●●○○○
* Brève rencontre (Lean) ●●●○○

FILMS REVUS

* L'impossible monsieur bébé (Hawks) ●●●●○
* New-York Masala (Advani) ●●●●○
* Le sortilège du scorpion de jade (Allen) ●●●●○

Récapitulatif - Mois de Septembre 2011

2011-11-26T16:32:00.004+01:00

FILMS VUS

* Les bien-aimés (Honoré) ●●○○○
* Buffet Froid (Blier) ●●●○○
* Une femme dangereuse (Walsh) ●●●●○ --> bientôt sur ce blog
* La grande évasion (Walsh) ●●●○○
* La vie privée d'Elizabeth d'Angleterre (Curtiz) ●●○○○
* Potiche (Ozon) ●●○○○
* Géant (Stevens) ●●●●○
* La fille de l'amiral - Hit the deck (Rowlands) ●●●○○ --> bientôt sur ce blog
* L'apollonide (Bonello) ●●●●○ --> sur ce blog
* Vivement dimanche! (Truffaut) ●●●○○
* Chasse au gang (de Toth) ●●●○○

FILMS REVUS

* La lune était bleue (Preminger) ●●●○○
* Péché mortel (Stahl) ●●○○○ --> sur ce blog

L'apollonide, souvenir de la maison close

2011-10-22T12:13:00.007+02:00

Bertrand Bonello - 2011

Partant d'un sujet fascinant mais un brin racoleur, entouré de mythes et propice à tous les excès, Bertrand Bonello confectionne un beau film de cinéma, atmosphérique et mélancolique, sur le corps et l'âme des femmes, créatures pour lesquelles il fait preuve d'une fascination manifeste mais aussi d'un grand respect.

Dès lors que l'on touche à la bien nommée Belle Epoque, il est difficile d'éviter de verser dans le nostalgique. Bonello n'y échappe pas tout à fait non plus dans sa reconstitution très soignée de l'entre-deux-siècles. Des corsets serrés d'où dégoulinent des corps voluptueux, des peaux laiteuses habillées de satin, de jupons froufroutants, de robes de velours: tout cela est superbe, esthétisé à l'extrême, pétri de références savamment ré-appropriées. Même les clients de ces dames (sous les traits de quelques jeunes réalisateurs) parviennent à avoir un physique agréable. Point de peaux ridées ou dégoulinantes donc, point de sexe exhibé non-plus; la maladie et la violence même sont enrobées d'une beauté dérangeante. Ce parti-pris esthétique revendiqué permet de nous en mettre plein les mirettes, certes, mais aussi de nous envelopper dans une ambiance feutrée et envoûtante où filtre avec force la mélancolie de ses habitantes... Car dans cette peinture mouvante, sous les aplats de rouge et de velours, rien n'est très reluisant. Les filles de joie sont tristes dans leur cage dorée. Quelque fois, elles s'évadent, mais c'est vers d'autres prisons encore, dans des rêves d'amour (ou plutôt de « rachat »), des cauchemars de sang, des volutes d'opium, et des litres de champagne. Et jamais, elles le savent, elles ne pourront se détacher de leur condition. Leur avenir est à jamais prostitué: elles achèveront leur décadence emportées par quelque maladies vénériennes, dans des maisons d'abattage pour beautés décrépites, ou sur les trottoirs interdits...

Et puis, il y a Madeleine... Madeleine qui revit inlassablement le soir où son homme l'a défigurée. Et c'est toute la douleur des filles de petites vies qui prend le visage triste, impassible et fendu de « la femme qui rit ». Pour mieux nous happer dans la spirale de l'enfermement, le montage prend le risque de jouer à la fois sur la répétition et l'ennui. Avec une courte escapade en campagne ou l'arrivée d'une nouvelle fille, le drame de Madeleine est l'un des seuls événements qui anime les coeurs de l'Apollonide: le reste n'est que langueur.

On imagine déjà combien cette belle oeuvre de salles obscures peinera à garder sa capacité d'envoûtement dans sa seconde vie, sur petit écran... Car "L'apollonide" est un film ambitieux mais aussi imparfait, avec un petit arrière-goût de vide derrière tout ce beau. Le cinéaste n'adopte ni idéologie ni position franche, pour nous laisser finalement sur une image (pas forcément des plus pertinentes) dans les rues de notre siècle. On en sort assez résigné puisqu'au fond, il ne semble exister ni solution ni espoir pour les filles publiques d'hier et d'aujourdhui.

Péché mortel

2011-09-21T20:34:00.008+02:00

Leave her to heaven

John M. Stahl - 1945

C'est avec beaucoup de bonne volonté que je lui ai redonné une chance, mais "Péché Mortel" est un film qui, définitivement, m'ennuie. A vrai dire, il se trouve que je n'aime pas Gene Tierney. Or Gene Tierney est le film: la moitié des plans consiste en une exhibition de ses yeux de chats réhaussés par des faux-cils interminables, ou de sa petite bouche trop rouge qui, parfois, laisse apparaître des quenottes éclatantes. Mais rien à faire, même dans le Technicolor le plus flamboyant, je suis totalement insensible au charme lisse de Gene; je trouve même (sans mauvaise foi, aucune) son sourire assez effrayant et son jeu d'actrice plutôt piètre.

Malheureusement, j'ai bien l'impression que, pour peu qu'on échappe à l'emprise de sa beauté, il ne nous reste pas grand chose dans ce film auquel se raccrocher. Son partenaire, Cornel Wilde, par exemple, hérite d'un personnage fade qu'il incarne d'ailleurs de manière tout à fait inexpressive. Difficile d'imaginer que ce terne écrivaillon puisse être l'objet d'une passion dévorante. Et c'est pourtant ce que veux nous faire croire le scénario, mélodrame de facture assez classique qui débute par un flash-back totalement surfait (introduit en substance comme ceci: « Vous voyez cet homme là-bas? Je vais vous raconter son histoire, tout en sirotant mon café... Garçon, s'il vous plait! ». Ouille). Suivent quarante minutes d'une romance à peu près banale où sont semés quelques indices du désenchantement à venir. Le mariage conclu trop vite se délitera évidemment. La belle princesse, inadaptée socialement, possessive et narcissique, va se mouvoir en plante vénéneuse. Malgré une amorce pénible, on ose alors espérer que le film se change en un thriller glaçant, écorchant comme il se doit l'American Way of Life. Sauf que non: aucune atmosphère ne nous enveloppera jamais et le suspense restera quasi-nul, malgré deux pics dramatiques qui avaient du potentiel (la noyade de Danny et la chute provoquée dans les escaliers). Le film s'achèvera même, comble de l'agacement, par un procès assez grotesque et un happy-end mielleux.

Non, définitivement, à mon goût « Péché Mortel » n'est pas ce qu'il aurait pu être, c'est à dire un film noir à la frontière des genres, perturbant et envoûtant. La seule chose que j'en retiendrais pour mes annales personnelles est cette magnifique photographie Sirkienne: un Technicolor flamboyant, presque aveuglant, qui renforce toute l'imagerie du mélo hollywoodien (les excès de maquillage,la garde-robe minutieusement repassée, les intérieurs riches et proprets) et qui donne au film, faute d'autre chose, une charmante odeur de naphtaline.

Un numéro du tonnerre

2011-08-26T18:46:00.008+02:00

Bells are ringing

Vincente Minnelli - 1960

« Bells are ringing » c'est la fin d'une époque: la dernière comédie musicale de deux grands noms du genre (le producteur Arthur Freed et le réalisateur Vincente Minnelli), et l'âge d'or de la MGM qui s'éteint avec eux... La célèbre écurie du studio se délite, entre jeunes poulains devenus vieux et beaux étalons ayant perdu leur vigueur. Les têtes d'affiche d'antan n'existent plus: finis les Fred Astaire, Gene Kelly, Judy Garland, ou Cyd Charisse... Pour cet ultime tour de piste, c'est au crooner Dean Martin et à la guillerette Judy Holliday de se partager l'affiche, dans une adaptation d'un grand succès de Broadway.

Judy Holliday reprend le rôle très applaudi qu'elle tenait sur les planches et une bonne partie du casting original a été lui aussi recruté pour le film. Avec un budget assez confortable et un bon réalisateur à la barre, tout les facteurs semblaient réunis pour faire de cette nouvelle comédie musicale une réussite. Mais, en succédant à « Gigi », dernière super-production et super-succès en date de la MGM, « Bells are ringing » s'apparente un peu à un acte manqué, à un film de second ordre... Décors sinistres, mise en scène plate et bornée aux limites théâtrales, numéros peu enthousiasmants, chansons trop explicatives et parfois même inutiles, le film accumule les handicaps, et semble finalement reposer tout entier sur les cabotineries de Judy Holliday qui, malgré toute sa fraîcheur, a les épaules bien fragiles.

Plus comédie que musicale finalement, « Bells are ringing » souffre de ne pas posséder de vraies et belles respirations dans le récit. Car malgré un pitch sympathique et accrocheur (la belle introduction du film en témoigne), les ressorts comiques montrent aussi rapidement leurs limites et finissent par lasser. Parmi les interludes musicaux, l'attachant « Perfect relationship », l'amoureux « Just in Time », le dynamique « Drop that name » et le beau duo « Better than a dream », sortent néanmoins du lot. Le film parvient également à trouver son équilibre à de rares moments, où les excès de Judy Holliday se trouvent contrebalancés par le flegme de Dino... mais l'ensemble reste malade. Jamais envoûtant, jamais ennuyant, simplement sympathique... et vite oubliable.

Récapitulatif - Mois de Juillet 2011

2011-08-05T11:03:00.003+02:00

FILMS VUS

* La dame sans camélia (Antonioni) ●●○○○
* La grande évasion (Sturges) ●●●●○
* Une séparation (Farhadi) ●●●●○
* Le soupirant (Etaix) ●●●○○
* Chico et Rita (Trueba, Mariscal, Errando) ●●●●○
* Un homme dans la foule (Kazan) ●●○○○
* Superman (Donner) ●●●○○
* A bout de course (Lumet) ●●●●○

FILMS REVUS

* Le tombeau des lucioles (Takahata) ●●●●●

Récapitulatif - Mois de Juin 2011

2011-08-05T11:00:00.004+02:00

FILMS VUS

* The tree of life (Malick) ●●○○○
* Tuer n'est pas jouer (Glen) ●●●○○
* L'insoutenable légèreté de l'être (Kaufman) ●●●●○
* Les pièges de la passion (Vidor) ●●●○○ --> sur ce blog
* Les aventures de Robin des Bois (Curtiz) ●●●○○
* The servant (Losey) ●●●○○
* Bienvenue à Gattaca (Niccol) ●●●●●
* L'enfer (Chabrol) ●●○○○
* La croisière du Navigator (Keaton) ●●●●○
* L'homme aux mille visages (Pevney) ●●●○○

FILMS REVUS

* Le grand amour (Etaix) ●●●●●
* Le facteur sonne toujours deux fois (Garnett) ●●●●○

Récapitulatif - Mois de Mai 2011

2011-08-05T10:53:00.005+02:00

FILMS VUS

* L'amour en quatrième vitesse (Sidney) ●○○○○

* L'amour en fuite (Truffaut) ●●●○○

* Furie (De Palma) ●●○○○

* Lifeboat (Hitchcock) ●●●●○

* Le troisième homme (Reed) ●●●○○

* Minuit à Paris (Allen) ●●●○○ --> sur ce blog

* Lady Chatterley (Ferran) ●●●●○

* Rencontres du troisième type (Spielberg) ●●○○○

* Entre les murs (Cantet) ●●○○○

* La règle du jeu (Renoir) ●●●●○

* Le dahlia bleu (Marshall) ●●●○○

* Christine (Carpenter) ●●●●○

* L'année du dragon (Cimino) ●●●●○

FILMS REVUS

* Vous ne l'emporterez pas avec vous (Capra) ●●●●○

Les pièges de la passion

2011-07-23T12:46:00.005+02:00

Love me or leave me

Charles Vidor - 1955

Derrière un titre français peu engageant, « Les pièges de la passion » abritent un biopic musical efficace, qui exhume une vedette oubliée des années 30, Ruth Etting; la Warner ayant décelé, dans l'ascension fulgurante et les amours tourmentées de cette ancienne chanteuse populaire, une belle opportunité de mettre en valeur la voix suave mais aussi les talents dramatiques de sa nouvelle recrue, Doris Day. Le résultat fut à la hauteur des attentes du studio. Malgré une image lisse de « girl next door » qui lui colle à la peau (et qui inhibe un peu l'ambiguïté du personnage), sa performance est très satisfaisante et parvient même à se mesurer à celle de son excellent partenaire, James Cagney.

La trame en elle-même, qui voit une jeune ambitieuse gravir les échelons de la célébrité, n'est pas bien originale. L'univers de la comédie musicale est en effet peuplé de ces « chercheuses d'or » et de paillettes. Seulement, rarement le prix à payer est si violemment exposé... Car cette fois l'ingénue, qui refuse d'abord de vendre son corps, finit par se prendre dans l'engrenage. Elle s'enchaîne malgré-elle à son protecteur et s'enlise dans une relation masochiste et troublante, dont l'apothéose se situe au milieu du film, dans une scène de ménage terrible qui finit par un viol (censuré, mais plus que suggéré) et… un mariage.

La suite de l'intrigue sera, en revanche, plus attendue, suivant les rails des mélodrames les plus classiques: la malheureuse sombre dans la dépression et l'alcool tandis que sa carrière atteint des sommets, et son teigneux mari, ne supportant plus de vivre dans l'ombre de sa femme, redouble de violence…

Côté musical, si la première chanson de Doris Day n'intervient qu'à la 20ème minute du film, les suivantes ne se font pas attendre. La voix de la star étant son meilleur atout, c'est plus de dix autres titres (heureusement de bonne qualité dans l'ensemble) qui parsèmeront ensuite le récit. On pourra alors se laisser charmer par certains standards indémodables ("Ten cents a dance", "You made me love you", "Love me or leave me"), s'ennuyer un tantinet devant les deux compositions écrites pour le film ("Never look back" et "I'll never stop loving you", gros succès de l'époque pourtant) mais aussi regretter la mise en scène statique et la pauvreté des chorégraphies sur certains numéros (notamment "Shakin' the blues away", chanson à laquelle Ann Miller donnait tant de panache quelques années auparavant dans "Parade de Printemps").

Mariage improbable du coléreux James Cagney et de la pétillante Doris Day, « Les pièges de la passion » n'est pas loin de rivaliser à certains moments avec les plus grands drames musicaux du genre, « Une étoile est née » ou encore « New York, New York ». Malheureusement, la mise en scène conventionnelle de Charles Vidor et la seconde partie du film, essoufflée, noient quelque peu l'émotion. Reste un film satisfaisant, sans concession et sans affectation superflue, qui se regarde (et s'écoute) avec plaisir.

Minuit à Paris

2011-05-13T18:34:00.006+02:00

Midnight in Paris

Woody Allen - 2011

« Minuit à Paris » est une comédie très rafraîchissante qui semble, une fois encore, être le reflet de l'intériorité de son auteur, lui aussi en quête d'inspiration dans un Paris de fantasme. La grande idée du scénario, qui fait basculer le film très rapidement dans une dimension résolument fantastique (et qu'il est préférable de ne pas révéler afin de ne pas gâcher le plaisir de la découverte), est vraiment brillante. A la fois originale et inattendue, elle donne à Woody Allen le loisir d’exercer sa verve et son humour, tout en rendant de beaux hommages aux artistes qui lui sont chers. Cependant, la mécanique finit par tourner un peu à vide, la magie s’estompe dans la répétition, et une pointe d'ennui se fait sentir à mi-parcours. Heureusement, avant que l’on ait eu le temps de lever les yeux au ciel, la conclusion nous remet sur les rails ; l’intrigue se dénoue par une morale pleine d'optimisme qui nous invite à apprécier coûte que coûte le monde dans lequel on vit, puis, sous la pluie de Paris, surgit un bel happy-end, romantique à souhait.

Woody Allen a su éviter avec finesse et beaucoup de second degré, de plonger dans le Paris de carte-postale que la bande annonce laissait entrevoir. Il retourne au contraire joliment les clichés, un peu démodés, d'un Paris lumineux, intellectuel, avant-garde, dans un rêve éveillé très sympathique. Néanmoins, si le film est toujours agréable, il s’étire un peu en longueur, et ne parvient finalement jamais à se hisser au delà de nos attentes. Le casting international, où se côtoient entre autres Marion Cotillard, Michael Sheen, Adrian Brody, Gad Elmaleh et bien sûr Carla Bruni (dans un tout petit rôle), est surprenant, mais finit par ressembler à un grand inventaire, tout comme la ribambelle d’artistes, tous plus géniaux les uns que les autres, qui se croisent dans l'esprit de Gil. En outre, le film, comme souvent chez Allen, demande un certain bagage culturel, et prend par conséquent le risque de snober un peu le spectateur noyé de références.

Mais finalement, comme Woody Allen est un réalisateur qui prend plaisir à faire le cinéma qu'il aime, à déclarer sa flamme à la ville qu'il aime, et comme il le fait avec légèreté et intelligence, l’impression d’ensemble reste un grand ravissement. Woody est encore en forme, et ne manque toujours pas d’inspiration !

Récapitulatif - Mois d'Avril 2011

2011-05-07T13:37:00.002+02:00

FILMS VUS

* Les hauts de Hurlevent (Wyler) ●○○○○
* Chien enragé (Kurosawa) ●●●○○
* The palm beach story (Sturges) ●●●○○
* Série noire (Corneau) ●●●●● --> bientôt sur ce blog
* Le mystère Von Bulöw (Schroeder) ●●○○○
* Tillsammans - Together (Moodysson) ●●●○○
* Sourires d'une nuit d'été (Bergman) ●●●●○
* Baisers volés (Truffaut) ●●●○○
* Domicile conjugal (Truffaut) ●●●○○

FILMS REVUS

* Charlie et le chocolaterie (Burton) ●○○○○

Récapitulatif - Mois de Mars 2011

2011-05-07T13:31:00.004+02:00

FILMS VUS

* La sirène du Mississipi (Truffaut) ●●●○○
* Shanghai Express (Von Sternberg) ●●●○○
* Docteur Jivago (Lean) ●●●○○ --> sur ce blog
* Mariage tardif (Kosashvili) ●●○○○
* Les promesses de l'ombre (Cronenberg) ●●●●○
* La kermesse de l'ouest (Logan) ○○○○○
* Le masque de Dimitrios (Negulesco) ●●●●○
* Et même ta mère (Cuaron) ●●●○○
* The wrestler (Aronofsky) ●●●○○
* Touchez pas au grisbi (Becker) ●●●●○
* Soudain l'été dernier (Mankiewicz) ●●○○○
* L'ange de la rue (Borzage) ●●●●○
* Stalag 17 (Wilder) ●●●●○ --> sur ce blog

FILMS REVUS

* Match Point (Allen) ●●●●●

Stalag 17

2011-03-27T15:37:00.005+02:00

Stalag 17

Billy Wilder - 1953

Au sein du « Stalag 17 », un camp de prisonniers allemand, des soldats américains passent un hiver boueux, qu'ils égaillent comme ils le peuvent par une bonne humeur et une solidarité à toute épreuve. Mais, suite à une tentative d'évasion funeste, le soupçon d'une trahison vient gangrener la fraternité qui les unissait...

Dans le cinéma d'après-guerre, chacun avait sa façon de panser ses blessures. Billy Wilder a choisi la thérapie par le rire, en adaptant avec brio un succès de Broadway sur les oubliés du conflit: les prisonniers de guerre. Le traitement, d'emblée fantaisiste, du sujet peut déstabiliser dans un premier temps, mais l'humour se trouve finalement excellemment dosé (il faut dire que, délicieusement burlesques ou plutôt grivois, la plupart des gags font encore mouche aujourd'hui) au sein d'un scénario lui-même très bien ficelé. Wilder fait preuve d'un sens du rythme remarquable dans sa réalisation, son découpage, et son écriture toujours corrosive. Sans lourdeurs, quelques scènes plus graves nous rappellent que la guerre n'est pas toujours drôle (deux corps trahis gisant dans la boue, un officier torturé que l'on menace de déportation, les yeux hagards d'un soldat qui ne se remet pas de la boucherie dont il a été le témoin), puis la comédie reprend le pas... Derrière l'humour, point de patriotisme pesant, mais au contraire, une description relativement réaliste de l'organisation des camps (le désir d'évasion, les lettres et les colis, les fantasmes, la malnutrition, les divertissements improvisés, les petits trafics...) et un héros troublant, antipathique, qui fait le choix d'aller à contre-courant du mouvement général en s'affichant individualiste et opportuniste. Ce personnage étonnant, aussi clairvoyant que cynique, est interprété (à contrecoeur parait-il) par le très bon William Holden. Le rôle lui vaudra un oscar, le premier et le seul de sa carrière.

« Stalag 17 » est un film décidément déroutant mais toujours délicieux. Bien souvent oublié dans la filmographie de Billy Wilder, il mérite aujourd'hui d'être rangé sans scrupule sur nos étagères, entre « To be or not to be » de Lubistch et « Le dictateur » de Chaplin...

Docteur Jivago

2011-03-25T13:53:00.008+01:00

Doctor Zhivago

David Lean - 1965

Gourmande de Lean après la très belle découverte de « La fille de Ryan », j'ai décidé de combler une de mes lacunes de cinéphile en plongeant dans son épopée romantico-romanesque la plus célèbre, « Docteur Jivago ».

Cette adaptation d'un roman russe renommé, fresque d'un amour et d'un pays tourmentés, a bénéficié d'un budget colossal, permettant au réalisateur d'étaler son tournage sur une année entière, et de prendre un soin particulier à recréer la Russie d'antan. Et au niveau reconstitution, pas de doute, le contrat est pleinement rempli; le film nous en met plein les mirettes et on apprécie la richesse des détails (seules les inévitables coupes de cheveux 60's des actrices pourront être déplorées). Mais au milieu de demeures luxueuses, de paysages enneigés ou de champs fleuris, et dans des costumes somptueux, ce sont finalement les personnages eux-mêmes qui nous semblent fades, de la même manière que les passions qui les anime et dans lesquelles ils finissent par s'enliser.

Là où « La fille de Ryan » savait toucher par son aspect intimiste, « Docteur Jivago » manque définitivement de subtilité... La première partie du film, dans un Moscou en proie à des poussées révolutionnaires, est pourtant assez prenante. Il faut dire que l'amour y est cruel et ambigu, et que le docteur du titre y est presque absent. Puis vient la guerre, l'exil, l'entracte, et une partie nettement moins intéressante centré sur le fameux Jivago, tiraillé par une passion adultère plus que banale, puis enrôlé de force dans une croisade partisane. Pendant que les balalaïkas du célèbre et lancinant « thème de Lara » résonnent, les années passent, par dizaines, les personnages traversent le temps sans gagner une ride et Omar Sharif fait le poète, les yeux tirés, humectés de larmes, perdus dans les nuages. Et on s'ennuie... un peu...

Mélodrame historique de la pure tradition hollywoodienne, aussi flamboyant qu'interminable, « Docteur Jivago » demeure malgré tout un grand spectacle de qualité, un bon classique de dimanche-après-midi.

Récapitulatif - Mois de Février 2011

2011-03-04T14:13:00.004+01:00

FILMS VUS

* Le village (Shyamalan) ●○○○○
* Le secret magnifique (Sirk) ●●●○○ --> sur ce blog
* Incendies (Villeneuve) ●●●●○
* Pour cent briques, t'as plus rien (Molinaro) ●●●○○
* Les anges aux figures sales (Curtiz) ●●●○○
* Opération Tonnerre (Young) ●●●○○
* Goldfinger (Hamilton) ●●●○○
* Colonel Blimp (Powell/Pressburger) ●●○○○
* Humoresque (Negulesco) ●●●○○
* La blonde et moi (Tashlin) ●●○○○
* Black Swan (Aronofsky) ●●○○○
* Adieu ma jolie (Dmytryk) ●●●○○
* Deux rouquines dans la Bagarre (Dwan) ●●○○○ --> sur ce blog
* True Grit (Coen) ●●●●○
* La source (Bergman) ●●●●○
* En quatrième vitesse (Aldrich) ●●●●○

FILMS REVUS

* La baie des anges (Demy) ●●●●○
* Les chaussons rouges (Powell/Pressburger) ●●●●○

Deux rouquines dans la bagarre

2011-02-27T18:18:00.007+01:00

Slightly Scarlet

Allan Dwan - 1956

Bien décidée à entamer mon coffret Allan Dwan, mon choix s'est porté sur l'un des films les plus acclamés: « Deux rouquines dans la bagarre ». Le film ne pouvant tout de même pas être plus idiot que le titre lui-même, je pensais m'éviter toute déception. Il se trouve finalement que ce titre français à la sonorité cheap et choc caractérise au contraire parfaitement le film. On ne nous trompe pas sur la marchandise: il s'agit bien de l'histoire de deux petites poules bien roulées à la chevelure flamboyante. Toutes deux tombent sous le charme d'un même homme, à la moralité chancelante, et se trouvent mêlées avec la bagarreuse mafia du coin, qui donne des baffes à tout va. L'une est un modèle de vertu, secrétaire honnête et amoureuse, l'autre accumule les vices, nymphomane, cleptomane et mythomane. Et chacune promène le long du film, mini-short et imprimé léopard, bouche aguicheuse et poitrine éloquente.

Les « Deux rouquines » flirtent avec le navet, puis le nanar (la scène de meurtre chez le journaliste, il faut la voir pour la croire!), et par intermittence avec le film noir. Au milieu des rebondissements d'une mollesse confondante, des faux raccords, et de quelques interprétations aléatoires (qui a dit que Rhonda Fleming était une actrice sous-estimée?), Allan Dwan sauve un peu son film, en lui insufflant un charme désuet et un érotisme manifeste. La photographie est joliment colorée, et les décors, sûrement empruntés ici et là, sont aussi luxueux que surréalistes. Reste une série B, lorgnant dangereusement sur le Z, qui a probablement été tournée et montée en 15 jours, avec le minimum syndical de pellicule. Un film d'un autre temps, peu convaincant mais sympathique, à regarder comme au drive-in, une bouteille de cola à la main, et un hot-dog dans l'autre.

Johnny Guitare

2011-02-24T11:05:00.010+01:00

Johnny Guitar

Nicholas Ray - 1954

Joan Crawford, la cinquantaine imminente et trois décennies de cinéma derrière elle, décide un beau matin de relancer une carrière en pente douce. Elle achète alors les droits d'adaptation d'un roman de Roy Chanslor, avant même que celui-ci ne soit publié, puis les revend à un petit studio fauché (« Republic Picture »), sous condition d'en devenir la star. Nicholas Ray, réalisateur novateur qui se plaisait à renouveler tous les genres qu'il touchait, est appelé derrière la caméra. Les yeux de Joan sont réhaussés par un Truecolor aussi flamboyant qu'artificiel. Et la petite série B en carton pâte devient l'un des westerns les plus étonnants et les plus beaux de sa génération...

« Johnny Guitare » est un western singulier qui, en dépit de son titre, est entièrement construit autour de son personnage féminin: Vienna, femme de caractère, courageuse et indépendante, presque anachronique et déplacée dans cet ouest d'hommes et de violence. Tenancière ambitieuse d'un saloon fantôme, Vienna attend sans impatience que la fortune arrive avec le progrès: une ligne de chemin de fer qui creuse son sillon dans la roche. Sans relâche, elle lutte pour conserver son lopin de terre, tandis que son ennemie jurée (autre curiosité, il s'agit d'une femme là-aussi), mène une guerre acharnée pour la voir plier bagage, un troupeau d'hommes à sa botte. Aigrie par la jalousie, et pétrie de violence, elle usera de tous les moyens pour se débarrasser de sa rivale. Et puisque tous les codes du western sont à l'envers, c'est le Johnny Guitare du titre, un as de gachette privé de son arme, qui amène un peu d'amour dans tout ça. Ancien amant éperdu, il revient vers sa belle, encore plein de sa passion passée, pour rêver d'un avenir luisant à ses côtés.

Le film est un festival de couleurs éclatantes qui lui offrent une dimension picturale symbolique appréciable. Les yeux brillent comme des turquoises, la poussière est d'un ocre éblouissant, le blanc est plus immaculé que la neige et le noir du deuil se confond avec le noir de l'âme. Mais la couleur, artificielle jusqu'au bout du ciel (un raccord jour-crépuscule complètement saugrenu, viendra appuyer l'aspect carton-pâte de l'ensemble), donne également au film un charme baroque, désuet et attachant, et renforce l'impression d'avoir affaire à une oeuvre unique en son genre, démesurée dans ses artifices comme dans sa dramaturgie. L'intrigue est effectivement construite comme une tragédie antique, nouée autour d'une haine viscérale et d'une romance mélancolique (servie par des dialogues d'exception). Joan Crawford, l'allure fière, le visage sévère, est également une figure irréelle, monumentale, presque statufiée. Elle livre une interprétation sans faille de la grande Vienna, l'un des personnages féminins les plus aboutis et subtils que le western ait connu, et s'inscrit définitivement dans la légende.

« Johnny Guitare », le bien-aimé des cinéphiles, mérite donc pleinement sa réputation. C'est une oeuvre atypique, émouvante, puissante, qu'il faut posséder, voir et revoir... encore et encore.

Le secret magnifique

2011-02-18T17:45:00.006+01:00

The magnificient obsession

Douglas Sirk - 1954

Peu après lui avoir fait perdre son mari, un playboy aussi riche qu'idiot fait perdre la vue à une gentille femme. Amoureux de sa victime, il choisit une voie aussi sinueuse que christique pour racheter ses fautes...

Avec ce « secret magnifique », on nage en plein dans le miel et dans la praline. L'intrigue dégouline, les personnages sont d'un angélisme presque irritant, les rebondissements sont totalement invraisemblables et les ellipses assez déconcertantes (combien de temps s'est-il passé pour que les cheveux de Rock Hudson deviennent grisonnants alors que tout autour de lui semble à peine changé?)... Rien n'est vraiment crédible ou captivant, et pourtant, et pourtant... par je-ne-sais-quelle opération du saint esprit (il y a bien quelque chose qui tient du miracle ici), on s'y attache, on y croit, on est ému même. Douglas Sirk nous tient une cuillère de mélasse, enrobée qui-plus-est d'une métaphore chrétienne extrêmement lourde (le roman de base a été écrit par un pasteur, ceci explique cela), et on en mange sans broncher... on déguste même. Il faut dire que le réalisateur, qui s'essayait tout juste aux « mélodrames flamboyants » avec ce film, possède un don certain pour transformer la guimauve en sucrerie un peu plus raffinée. Chez Douglas Sirk, l'amour a la pureté des pierres précieuses (même quand il unit deux êtres que tout opposent, un bellâtre et une ménagère un peu fânée, un milliardaire et une aveugle endettée), les émotions ruissellent en technicolor avec une délicatesse incroyable, et, au milieu des bons sentiments poisses, c'est la beauté qui jaillit finalement.

« Le secret magnifique » est un mélodrame qui parvient à rester élégant, faute d'être tout à fait subtil. On en retiendra quelques plans magnifiques, avec une belle utilisation des couleurs et de la lumière, les premières manifestations de l'esthétique sirkienne qui imprégnera nombre de ses oeuvres à venir, et particulièrement « Tout ce que le ciel permet », autre variation (bien plus réussie) autour du couple Wyman-Hudson...

Tout ce que le ciel permet

2011-02-05T13:56:00.005+01:00

All that heaven allows

Douglas Sirk - 1955

Puisque le ciel le permet, la douce Cary (Jane Wyman), dont le maquillage ne parvient plus à dissimuler les années, s'éprend de son jardinier, le jeune et séduisant Ron Kirby (Rock Hudson). Bien vite, la veuve délaisse sa robe de deuil pour s'abandonner au rouge passion, et se faufile dans la vie de celui qu'elle aime. Mais quand son amant lui propose de quitter son monde glacé et tiré à quatre épingle, pour se blottir dans un petit chalet, avec du feu dans la cheminée et des animaux aux fenêtres, Cary se perd. A t-elle le droit de bouleverser sa vie, si bien rangée, pour répondre à l'appel de l'amour et de la forêt? Cary hésite, tâte l'eau de l'orteil, puis renonce, pour sauver les apparences et contenter ses enfants.

Cary est une femme banale et finalement, son histoire d'amour l'est aussi. Pourtant sa vie devient une tragédie cornélienne quand il s'agit de choisir entre le calme apaisant de la nature et la superficialité d'un monde d'apparences, entre l'amour véritable que lui propose son Rock et les relations vides qu'elle entretient avec famille et amis. Et quand elle finit par renoncer au bonheur au nom de l'honneur, c'est pour se retrouver plus seule et misérable encore qu'au premier jour, enfermée dans le cadre morne d'un poste de télévision (la scène où Cary, abandonnée par ses enfants, reçoit ce présent empoisonné, est une merveille d'émotion).

Douglas Sirk ne s'attarde pas tant sur le geste amoureux, toujours montré avec pudeur, que sur le désespoir et la solitude d'une femme qui ne parvient plus à exister. Et si les ingrédients du mélodrame sont bien présents (du Technicolor flamboyant en passant par l'amour tourmenté et les conventions étouffantes), son film reste avant tout une oeuvre intimiste, centrée sur le malheur d'un personnage principal unique. J'ai été moins convaincue en revanche par une autre facette du film, incarnée par le personnage masculin cette fois, à savoir la possibilité d'un retour à la nature pour contrecarrer le rêve américain matérialiste. Ce thème étonnant (car assez anti-hollywoodien) donne naissance à de belles images, oniriques et paisibles, mais m'a semblé trop naïf pour être tout à fait pertinent.

« Tout ce que le ciel permet » n'en reste pas moins un mélo sublime et précieux, dont la mise en scène (qui oscille superbement entre excès et délicatesse) est portée par un Technicolor ombragé de toute beauté.

Récapitulatif - Mois de Janvier 2011

2011-02-05T13:55:00.015+01:00

FILMS VUS

* Tant qu'il y aura des hommes (Zinnemann) ●●●○○ --> sur ce blog
* La fièvre au corps (Kasdan) ●●●○○
* La maison du diable (Wise) ●●●○○
* La beauté du diable (Clair) ●●●●○
* L'homme qui voulut être roi (Huston) ●●●○○
* Cantique d'amour (Mamoulian) ●●●○○ --> bientôt sur ce blog
* La poursuite impitoyable (Penn) ●●●●●
* Les fantastiques années 20 (Walsh) ●●●○○
* Star Wars: L'empire contre attaque (Kershner) ●●●○○
* Demain est un autre jour (Sirk) ●●●●○
* Les amants de la nuit (Ray) ●●●●●
* Meurtre mystérieux à Manhattan (Allen) ●●●●●
* Johnny Guitare (Ray) ●●●●● --> sur ce blog
* La ronde de l'aube (Sirk) ●●●●● --> sur ce blog
* Germinal (Berry) ●○○○○

FILMS REVUS

* Phantom of the paradise (De Palma) ●●●●○

La ronde de l'aube

2011-02-01T23:02:00.016+01:00

The Tarnished Angels

Douglas Sirk - 1958

Au milieu des mélodrames aux couleurs chatoyantes et aux sentiments exacerbés, Douglas Sirk a livré quelques oeuvres plus discrètes, plus intimistes, plus étonnantes, où les amours de bonnes familles s'effacent derrière des passions plus dévorantes encore.

« La ronde de l'aube » est un drame cru et cruel, adaptée d'un roman de William Faulkner. Les personnages sont des êtres qui se détruisent, qui se ridiculisent, qui tournent en rond. Leur vie est semblable aux manèges qui les entourent, qui les animent autant qu'ils les dévastent. Tous sont perdus, inutiles, médiocres, aux prises avec un avenir incertain, à la merci de leurs pulsions de vie et de mort. L'un vole sans but, l'autre est rongé par la jalousie, l'un boit pour oublier, l'autre se donne toute entière par amour. Ce sont des anges déchus, des désaxés, qui tomberont un à un... et parfois ne se relèveront pas.

Dans les rôles principaux, Sirk a réuni le trio d'acteur très glamour d'« Ecrit sur le vent ». Rock Hudson, Dorothy Malone et Robert Stack, alors qu'ils livraient des prestations peu mémorables dans le film sus-cité, semblent ici totalement transcendés par leur rôles. Hudson, notamment, a rarement été aussi bon, tandis que Malone (qui, dans sa robe blanche de Marilyn, dans sa chute sublime, offre ses jambes aux badauds) est tout simplement bouleversante. De même, la mise en scène de Sirk est plus que parfaite. Elle sert magistralement, en une heure trente à peine, des personnages à la psychologie étonnamment fouillée et au désespoir suintant. Seule ombre au tableau peut-être: des costumes très anachroniques. Mais cet écart sera aisément pardonné, en quelques plans, sur les chaussures à talons hauts de Malone, sa jupe noire trop ajustée, ou encore sur le maillot de corps humide, sali, très Brandosien, de Robert Stack. Finalement, la sensualité 50's leur sied si bien qu'on aurait tort de s'en priver.

« La ronde de l'aube » est un mélo noir et touchant, majestueux et désabusé, qui se classe déjà parmi mes favoris du réalisateur.

Tant qu'il y aura des hommes

2011-01-19T20:18:00.007+01:00

From here to eternity

Fred Zinnemann - 1953

Tant qu'il y aura des hommes, il y aura des guerres, il y aura des armées, et leurs absurdités respectives. Au sein d'une garnison, en plein coeur d'Hawaï, alors que l'Amérique n'est pas encore entrée dans le conflit mondial, les valeurs morales des soldats partent à la dérive, noyées dans l'ennui et dans l'alcool. Et puis, alors qu'on ne l'attend plus, la guerre éclate, violente et impromptue. Pour certains cependant, il est déjà trop tard...

Description du quotidien de quelques soldats de différents grades et d'ambitions diverses, « Tant qu'il y aura des hommes » est un film de caserne, un film de militaires, un film d'hommes, qui glorifie la «camaraderie virile » comme on se plaît à l'appeler (souvent pour dissimuler un brin d'homosexualité d'ailleurs). Les femmes existent mais sont reléguées à un plan très second: ce sont de simples objets de désir ou des oiseaux blessés qui s'offrent aux soldats en rêvant d'une vie bien rangée...

Le rythme du film est très posé mais on suit sans ennui les vies en chorale de ces bons soldats, qui trimballent leurs uniformes de baraquements lugubres en bouges miteux, où ils trouvent de l'alcool et des femmes pour quelques sous. Leurs existences s'enroulent et se nouent autour de celle du jeune Prewitt (incarné par le nonchalant Montgomery Clift), nouvelle recrue mélancolique, qui subit sans sourciller brimades et injustices. Puis le théâtre des passions devient celui des conflits, la plage de Pearl Harbor est arrosée de bombes. La guerre bouscule les vies, les quotidiens, les grades, les ambitions, et l'intrigue se dénoue quelques obus plus tard.

« Tant qu'il y aura des hommes » est un classique du cinéma américain, un vrai, avec sa scène culte et sexy (celle du baiser sur la plage, bien sûr), sa brochette d'acteurs légendaires (Montgomery Clift, Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr) et sa modeste collection de statuettes (8 oscars au total). Un classique oui, mais dont le piédestal est régulièrement démonté aujourd'hui... Il est vrai que si l'on mesure le film à sa réputation, on prend le risque d'être déçu. Car « Tant qu'il y aura des hommes » est un film d'un autre âge, aux idéaux un peu usés et à l'intrigue assez conventionnelle. Et pourtant, abstraction faite de ces premières réserves, il se révèle très agréable et joliment lyrique, car porté par de bons acteurs, un scénario de qualité et une réalisation honorable.

Mes plus belles découvertes de cette année 2010

2011-01-05T12:47:00.009+01:00

Top 10 de mes plus belles découvertes

01- Scènes de la vie conjugale - Scener ur ett äktenskap – Bergman - 1974

02- La fille de Ryan – Ryan's daughter – Lean - 1970

03- Quand passent les cigognes - Летят журавли – Kalotozov - 1957

04- Le grand amour – Etaix - 1968

05- Le temps d'aimer et le temps de mourir - A time to love and a time to die – Sirk - 1958

06- Moon – Jones - 2009

07- Les feux de la rampe - Limelight - Chaplin - 1952

08- Les trois jours du Condor - Three Days of the Condor- - 1975

09- Là-haut – Up – , Peterson - 2009

10- Fantastic Mr Fox – Anderson - 2010

Autres jolies découvertes en vrac

1920-1929: L'aurore

1930-1939: L'impossible Monsieur Bébé, Ninotchka, Agent X-27, La reine Christine, City girl, Vous ne l'emporterez pas avec vous

1940-1949: La scandaleuse de Berlin, Les raisins de la colère, Les amants diaboliques, La chasse à l'homme

1950-1959: L'ange des maudits, Dieu seul le sait, Papa longues jambes, Tout ce que le ciel permet, Derrière le miroir

1960-1969: Persona, Le fleuve sauvage

1970-1979: Papillon, Marathon Man, Johnny s'en va en guerre, Eraserhead

1980-1989: Les ailes du désir

2000- 2009: New York Masala, The visitor

2010: Soul Kitchen

Récapitulatif - Mois de Décembre 2010

2011-01-05T12:13:00.003+01:00

FILMS VUS

* Tout ce que le ciel permet (Sirk) ●●●●○ --> sur ce blog

* Lady Oscar (Demy) ●●○○○ --> sur ce blog

* En suivant la flotte (Sandrich) ●●●○○

* Jalla! Jalla! (Fares) ●●●○○

* Boire et déboires (Edwards) ●●○○○

* Les duellistes (Scott) ●●●○○

* Moon (Jones) ●●●●●

* Another Year (Leigh) ●●●○○

Lady Oscar

2011-01-01T16:31:00.004+01:00

Lady Oscar

Jacques Demy - 1978

« Lady Oscar » se situe au beau milieu de la période creuse de Jacques Demy. Le réalisateur a la tête qui foisonne d'idées, mais ne trouve pas les financements nécessaires à leur concrétisation. L'insuccès de ses derniers films a rendu les producteurs européens frileux, et c'est finalement le Japon qui va se tourner vers lui pour l'adaptation d'un manga exotique à succès: « La rose de Versailles ». L'histoire est celle d'Oscar, une jeune fille éduquée comme un garçon, que son père a faite soldat auprès de la reine Marie-Antoinette.

Le tournage a eu lieu en France, dans l'enceinte-même du château de Versailles(!), avec des acteurs anglais et français (dont le tout jeune Lambert Wilson). Catriona MacColl (qui continuera sa carrière dans le cinéma de genre, aux côté de Lucio Fulci) est imposée dans le rôle principal par une entreprise de cosmétique japonaise. Un choix qui s'avère très peu judicieux tant la jolie Catriona, qui est sensé se faire passer pour un homme, respire la féminité de sa voix fluette à ses paupières peintes en bleu. L'ambiguïté sexuelle qui devait entourer le personnage d'Oscar, ainsi que sa quête d'identité (qui devait servir de trame au film), se retrouvent totalement noyés dans la blonde chevelure et les longs cils de son interprète. Ne reste alors qu'une intrigue à l'eau de rose, sur fond de révolution française, où la belle découvre les plaisirs de l'amour et les affres de la misère...

Le film, qui réarrange au passage l'Histoire de France d'une drôle de façon, se révèle donc relativement vide sur le fond. La forme vient heureusement relever l'ensemble. Les décors et les costumes sont magnifiques. La photographie est très soignée. La mise en scène de Jacques Demy est très honorable et la partition de Michel Legrand est inspirée. Malheureusement, si le film demeure plaisant à regarder, c'est l'ennui qui finit par l'emporter.

A sa sortie, le film reçut un accueil chaleureux au Japon et en Asie, mais ne traversa pas les frontières. La télévision française refusa d'en acheter les droits de diffusion, et il resta longtemps invisible en France. Aujourd'hui, « Lady Oscar » traîne une réputation peu flatteuse, certains parlent même du plus mauvais film de Jacques Demy... Pourtant, à côté d'un navet comme « Parking », aucun doute n'est possible. « Lady Oscar » fait plutôt figure de film malade. Sympathique mais longuet. Joli mais un peu creux.

Récapitulatif - Mois de Novembre 2010

2010-12-11T17:32:00.002+01:00

FILMS VUS

* Les trois jours du Condor (Pollack) ●●●●●
* La fille de Ryan (Lean) ●●●●● --> sur ce blog
* Charulata (Ray) ●●●○○
* Om shanti om (Khan) ●○○○○ --> sur ce blog
* New-York Masala (Advani) ●●●●○ --> sur ce blog
* L'affaire Cicéron (Mankiewicz) ●●●●○
* Kuch kuch hota hai (Johar) ●○○○○ --> sur ce blog
* Dilwale Dulhania Le Jayenge (Chopra) ●●●○○
* Criss Cross (Siodmak) ●●●○○
* Glen or glenda (Wood Jr) ○○○○○
* Morse (Alfredson) ●●●●○
* Le nom des gens (Leclerc) ●●●○○
* L'homme qui voulait vivre sa vie (Lartigau) ●●○○○

Kuch Kuch Hota Hai

2010-11-16T15:20:00.009+01:00

Kuch Kuch Hota Hai कुछ कुछ होता है

Karan Johar - 1998

Je pensais être assez forte, avoir suffisamment de second degré, mais apparemment ça n'est pas le cas et il m'a été très difficile de faire abstraction des petits défauts et des fautes de goût de « Kuch Kuch Hota Hai »...

Il faut dire que le film commence très mal. Après une introduction ultra-mièvre qui s'appesantit sur la souffrance d'une fillette qui porte le deuil de sa mère (mais qui va faire preuve par la suite, d'un acharnement quasi-malsain pour la remplacer), on est plongé de force dans un interminable flash-back qui revient sur les années-fac des parents. Cette partie dans le « campus », festival de cabotineries et de sweet-shirts flashy filmé comme un clip des Spice-Girls, demande une bonne dose de courage et de persévérance. Après 1h30 de film, alors qu'on a des mini-jupes à paillettes et des talons compensés plein les yeux, le niveau est un peu relevé par les premiers signes du mélodrame: la jolie Kajol est abandonnée par son ami et amour, la boucle est bouclée, et on peut retourner tranquillement dans le présent (qui malheureusement, se trouve encore dans les années 90). La fillette décide alors de se construire une nouvelle famille en réconciliant son père avec son amie-amour de fac, qui, accessoirement est sur le point de se marier avec un autre. La deuxième partie du film se déroule dans un camp de vacances (qui pique un peu les yeux, lui aussi) et s'avère beaucoup plus digeste et maîtrisée que la première.

L'intrigue n'est pas très intelligente mais les trois heures de film ont au moins le mérite de passer relativement vite. Conformément aux codes de la comédie romantique bollywoodienne, les personnages sont des modèles de vertu, emplis d'humanité et d'une faculté de renoncement extraordinaire (le fiancé éconduit, après avoir laissé sa belle à un autre au pied-même de l'autel, finit par danser le sourire aux lèvres au mariage de celle-ci: quoi de plus normal!), pour qui tout finira bien après la fuite de trois petites larmes (je suis incorrigible...).

Au niveau musical, car évidemment, point de Bollywood sans musique, on sera étonné de voir arriver le premier numéro très tardivement. Esthétiquement inspiré de « Grease », mais en plus kitch (hé oui, c'est possible), celui-ci n'est pas bien encourageant. Heureusement, par la suite, et malgré une qualité musicale approximative, quelques numéros, qui répondent d'ailleurs plus aux standards bollywoodiens et ne se contentent pas d'être des miroirs déformant de l'imaginaire américain, sauront capter l'attention. On pourra par exemple retenir la chanson titre et son « Kuch Kuch Hota Hai » entêtant, la scène de fiançailles, traditionnelle mais efficace, ou encore la danse sous la pluie (ou plutôt sous le kiosque) et son érotisme chaste.

Au final, je suis restée assez sceptique face à ce grand succès bollywoodien des années 90, qui semble pourtant ravir les amateurs du cinéma indien.

New-York Masala

2010-11-16T15:02:00.007+01:00

Kal Ho Naa Ho कल हो ना हो

Nikhil Advani - 2003

« New-York Masala » est un film bollywoodien occidentalisé et moderne, jouissif et abordable, qui semble avoir été réalisé à la fois à destination d'un public indien et d'un public américain (notamment de NRI, Non Resident Indians). L'histoire ne se déroule d'ailleurs pas en Inde, mais exclusivement à New York (où l'on remarquera par ailleurs que tout le monde parle et comprend l'hindi, joli renversement). Si le film est très inscrit dans la modernité et fortement influencé par le mode de vie états-unien, on y retrouve malgré tout, et avec plaisir, les codes et les valeurs propres au cinéma bollywoodien (l'amour sacrifié, les mariages arrangés ,l'importance de la famille et de la tradition).

Très dynamique, souvent amusant, et résolument optimiste, « New-York Masala » a tout d'un feel-good movie dans sa première partie. Puis viennent les amours contrariées, et un twist de mi-parcours renverse la comédie pour la faire tourner au mélodrame. Alors, on pleure à chaudes larmes, on accompagne empathiquement les sanglots des personnages frappés par le sort. On ne s'identifie pas vraiment mais on s'émeut toujours, et ce malgré l'excès et la naïveté de certaines situations (« Jamais plus je ne tomberais amoureuse de toute ma vie! Snif! »).

« New York Masala » est l'un des films bollywoodiens les plus enthousiasmants qu'il m'a été donné de voir jusqu'à présent. On retient finalement assez peu les numéros musicaux, qui pourtant s'inscrivent parfaitement dans la bonne-humeur de la première partie, et apportent de la fraîcheur à la seconde. La bande originale, qui mêle les rythmes de l'Orient et de l'Occident, est plutôt sympathique (même si, pris individuellement, des titres comme « Oh Pretty Woman » ou « It's Time to Disco » peuvent effrayer) mais n'est pas accompagnée par des danses spectaculaires ou une mise-en-scène vraiment mémorable. En fait, la réussite du film réside principalement dans la qualité du scénario. Les acteurs sont également très convaincants, surtout la jolie Preity Zinta et l'attachant Saif Ali Khan. Quant à l'omniprésent Shahrukh Khan, il reste fidèle à lui-même et son rôle d'ange gardien insolent et rigolo lui va comme un gant (ses scènes de larmoiements sont néanmoins un peu plus laborieuses).

Le film, qui souhaite véhiculer la philosophie (très ressassée) selon laquelle il faut vivre au jour le jour et profiter pleinement de petits bonheurs quotidiens, remplit totalement ses objectifs, puisqu'on le parcourt et qu'on en sort un sourire vissé sur le visage.

Récapitulatif - Mois d'Octobre 2010

2010-11-13T10:47:00.003+01:00

FILMS VUS

* Un homme qui crie (Haroun) ●●●○○
* L'événement le plus important depuis que l'homme a marché sur la lune (Demy) ●●●○○ --> sur ce blog
* Little big man (Penn) ●●●○○
* Trois places pour le 26 (Demy) ●●○○○ --> sur ce blog
* Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu (Allen) ●●●○○ --> sur ce blog
* Nuit et jour (Curtiz) ●○○○○ --> bientôt sur ce blog
* Le mariage des moussons (Nair) ●●●○○
* Les amants diaboliques (Visconti) ●●●●○
* L'ange des maudits (Lang) ●●●●● --> sur ce blog
* Ecrit sur le vent (Sirk) ●●●○○
* The social network (Fincher) ●●●●○
* Le fleuve sauvage (Kazan) ●●●●○

FILMS REVUS

* La huitième femme de Barbe bleue (Lubitsch) ●●●●○
* Sept ans de réflexion (Wilder) ●●●●○
* Rendez-vous (Lubitsch) ●●●●●

L'ange des maudits

2010-11-13T10:34:00.009+01:00

Rancho Notorious

Fritz Lang - 1952

« L'ange des Maudits » est un western atmosphérique et baroque, bercé par un lancinant refrain qui annonce, gravement et dès l'ouverture, « une histoire de haine, de meurtre et de vengeance ». Mais c'est surtout une histoire de solitude et d'errance que je retiendrai, une histoire de bandits, de marginaux, d'âmes perdues incapables de trouver le repos ou l'équilibre...

Tout commence par la disparition brutale d'un rêve: un jeune cow-boy, bien sous tout rapport, embrasse (une dernière fois, sans le savoir) sa jolie promise, et la retrouve, quelques instants plus tard, violée et assassinée. Dans un élan justicier totalement vain, il part à la recherche des criminels et devient malgré lui un vengeur solitaire (qui rappelle à plus d'un titre le Dave Bannion de « Règlements de comptes »). Suivant un fil d'Ariane fragile et sinueux, il est mené vers une légende de l'Ouest, Altar Keane, une chanteuse de saloon au charme anciennement ravageur, partie prendre sa retraite dans un endroit mystérieux. Une perruque blonde vissée sur la tête, le visage figé, dénué de rides, Altar Keane est la sublime Marlène, cinquantenaire à peine fanée par les ans. Personnage plus profond et plus triste qu'il n'y paraît, cette femme magnifique et vulgaire, forte et fragile, qui tente contre vents et marées d'imposer sa place dans une monde d'homme, est une des plus belles héroïnes du genre.

Le film se joue à la manière d'une tragédie grecque, outrancière et funeste, dans des décors en carton aux couleurs chatoyantes (auxquelles la qualité du dvd ne rend malheureusement pas hommage). « L'ange des maudits » (une fois n'est pas coutume, la traduction française est beaucoup plus percutante que le titre original), est une oeuvre hors du temps et des sentiers battus, baignant dans une atmosphère onirique; une oeuvre à découvrir, à la fois âpre, violente, et empreinte de délicatesse, par laquelle il est difficile de ne pas se laisser envoûter...

Om shanti om

2010-11-12T12:05:00.015+01:00

Om shanti om ओम शान्ति ओम

Farah Khan - 2007

Après la découverte de « Om shanti om », qui m'a fait frôler l'overdose, je ne suis un peu plus frileuse à l'idée de me replonger à nouveau dans le cinéma bollywoodien.

« Om shanti om » est un film-masala parodique et ultra-référencé, qui a forcément un peu laissé la néophyte que je suis sur le carreau (sauf, bien sûr, quand il s'agissait de déceler des références à la comédie musicale américaine, et notamment à « Chantons sous la pluie » qui semble avoir fortement inspiré la réalisatrice). Embrouillamini de genres, aussi divers qu'inassortis, le scénario est complètement insensé. Entre la comédie et le drame, le fantastique ou le polar, on ne sait vraiment plus où donner de la tête. En outre, tout semble tellement surjoué, surréaliste, sur-dramatisé, qu'il devient difficile de démêler ce qui relève du pastiche, de l'hommage ou de la parodie, et de savoir s'il faut plutôt ricaner ou s'émouvoir.

Malgré cela, on se prend presque au jeu dans la première partie du film, à la fois colorée et pleine d'émotions exacerbées. Les pitreries de Shahrukh Khan sont un peu agaçantes, mais on se laisse totalement séduire par la belle Deepika Padukone. La reconstitution bariolée du Bollywood des années 70 contient quelques scènes cocasses, tandis que les numéros musicaux ne manquent pas de charme (surtout le très beau « Dhoom taana »). Cependant, l'auto-caricature qui imprègne cette première partie (est le reste du film par ailleurs) n'est amusante que par intermittence et empêche une immersion totale. Toute la seconde partie m'a semblé quant à elle ratée. Le scénario n'étant pas franchement plus intelligent ou plus cohérent qu'avant (mention spéciale au deus-ex-machina final, des plus ridicules), on espère pouvoir se raccrocher à de beaux numéros musicaux, mais le clip vulgaire et kitch « Dard-E Disco » est insupportable et l'interminable défilé de guest-stars dans « Deewangi Deewangi » un peu pesant pour qui n'est pas fin connaisseur de l'univers Bollywoodien. La parodie est poussée à son paroxysme pendant la scène de remise des « Filmfare Awards » et du tournage d'un film de super-héro idiot, mais on est déjà lassé...

Pendant près de trois heures, j'ai oscillé entre ennui et agacement, sans qu'une once de ravissement ne parvienne à s'imposer dans la balance. Je suis définitivement restée hermétique à l'univers et aux pitreries d'« Om shanti om », qui reste une belle déception dans un genre que je ne demande pourtant qu'à découvrir et apprécier...

La fille de Ryan

2010-11-06T21:35:00.007+01:00

Ryan's daughter

David Lean - 1970

Au début du siècle dernier, alors que la guerre des tranchées épuise l'armée britannique, l'Irlande est plus que jamais en quête d'indépendance. Dans un petit village de la péninsule de Dingue (a t-on déjà vu de plus beaux paysages pour filmer un mélodrame?), les esprits rebelles s'échauffent au bar, tandis que la douce Rose, la fille de Ryan, se noie dans ses pensées, en se promenant seule sur la plage. Rose rêve d'ailleurs et d'idéal. Elle aspire à une vie pleine d'amour et fantasme sur son ancien professeur, Charles, celui qui lui parlait d'autres lieux, d'autres temps, d'autres vies. Elle finit par s'offrir à lui, par le supplier de bien vouloir l'aimer...

Rose et Charles se marient donc, selon les convenances. Puis consument le mariage, comme le veut la coutume. Et très vite Rose réalise que sa vie sera dénuée de passion et de surprise, au côté de son mari. Frustrée, elle se remet à errer dans ses pensées, à la recherche d'un idéal dont, cette fois, elle ne connaît pas le nom...

Quand Rose, cette Emma Bovary aux cheveux roux, succombe aux charmes d'un bel et sombre officier britannique, elle sent enfin la vie bouillir en elle. Ces deux là ne se parlent pas, ils pansent leurs blessures et consolent leur malheur, par des étreintes passionnées, par des baisers fougueux et de douces caresses... Et leurs sentiments, leur désir, leurs frissons, nous éclaboussent totalement.

« La fille de Ryan » n'est pas seulement un superbe drame romanesque, c'est aussi un film d'une éblouissante beauté, qui tire le meilleur parti des paysages sauvages et verdoyants de la côté irlandaise. On aura rarement vu mariage aussi parfait: le scénario est palpitant, la mise en scène sublime, et l'émotion filtre magistralement au travers des images. Les plans sont construits avec minutie et talent, en réelle communion avec la nature (David Lean a du passer des heures voire des jours, pour construire des tableaux si parfaits, où même les nuages se meuvent avec précision). Intensément romantiques, les scènes d'amour sont à pleurer. Les acteurs sont admirablement dirigés, malgré la relative fadeur du bellâtre Christopher Jones et le rôle difficile de John Mills. Robert Mitchum, homme amoureux et délaissé, figure quasi-christique du pardon, est particulièrement touchant.

Le film dure plus de trois heures, mais ne possède aucune longueur. On se laisse porter sans peine, au contraire, par les vagues irlandaises, qu'elles caressent le sable doucement ou qu'elles fouettent le visage d'une population en pleine révolution... Impossible alors de ne pas crier au chef d'oeuvre devant cette fresque sublime, ce mélodrame lyrique et subtil, injustement rejeté par la critique et le public en 1970 et encore trop souvent oublié aujourd'hui.

Récapitulatif - Mois de Septembre 2010

2010-10-24T13:18:00.007+02:00

FILMS VUS

* Le feu follet (Malle) ●●●●○
* A la poursuite du diamant vert (Zemeckis) ●●●○○
* L'aurore (Murnau) ●●●●○
* La dame du vendredi (Hawks) ●●●○○
* Vous ne l'emporterez pas avec vous (Capra) ●●●●○
* Des hommes et des dieux (Beauvois) ●●●●○

Récapitulatif - Mois de Août 2010

2010-10-24T13:14:00.003+02:00

FILMS VUS

* Barry Lyndon (Kubrick) ●●●○○

* Ce monde à part (Sherman) ●●●○○

* Donnez-lui une chance (Donen) ●●●○○ --> sur ce blog

* L'impasse tragique (Hathaway) ●●●○○

* Le grand saut (Coen) ●●●○○

* La blonde du Far-West - Calamity Jane (Butler) ●●●○○

* L'impossible Monsieur Bébé (Hawks) ●●●●○

* Les héros n'ont pas froid aux oreilles (Nemes) ●●○○○

* Avanti! (Wilder) ●●●○○

* Mélodie pour un meurtre (Becker) ●●●○○

FILMS REVUS

* Whatever works (Allen) ●●●●○

Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu

2010-10-17T15:34:00.010+02:00

You will meet a tall dark stranger

Woody Allen - 2010

Chaque année, on goûte au nouveau film du prolifique Woody Allen avec la même hâte et la même appréhension. En 2010, la sentence des critiques est quasi-unanime, c'est un « petit cru » que le célèbre réalisateur new-yorkais nous sert... « Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu» est un film mineur, il est vrai, mais faut-il pour autant bouder son plaisir?

Dans ce film-choral familial, les existences de quelques ratés, insatisfaits ou frustrés, s'entremêlent. Alphie, le père, a quitté un beau matin sa femme pour s'offrir une nouvelle (et onéreuse) jeunesse au côté d'une blonde créature. Héléna, la mère, ne supporte pas la solitude dans laquelle il l'a laissé et se noie dans le whisky en écoutant les prophéties rassurantes d'une diseuse de bonne-aventure. Leur fille Sally approche de la quarantaine et désespère de ne pas pouvoir fonder une famille, tandis que son mari Roy, écrivain vidé de son inspiration, prend conscience de sa médiocrité en lisant les manuscrits des autres. Tout ce pathétique petit monde aimerait pouvoir s'échapper, aller voir ailleurs si l'herbe est plus verte... Sauf qu'ailleurs, le soleil ne brille pas plus fort. Ailleurs, finalement, c'est pire, on se corrompt, on se ridiculise, on s'abaisse et on se ruine.

Dans cette histoire, finalement très cruelle, où le temps passe et les espoirs meurent, seul un petit couple d'illuminés trouvera son bonheur. Pas déprimant pour un sou, le film parvient à mêler les désillusions des personnages à une grande fraîcheur narrative, teintée d'humour noir. Le rythme est maîtrisé, les personnages bien croqués, les acteurs excellents, et les situations souvent irrésistibles. On rit, quelquefois jaune, quelquefois de toutes ses dents, et on prend beaucoup de plaisir devant ce petit film où Londres rayonne.

Savoureux d'un bout à l'autre, le film prend néanmoins le risque de laisser le spectateur sur sa faim en refusant de conclure la plupart des histoires qui le composent. Le scénario finit par ressembler à un collage de plusieurs bonnes idées (griffonnées au détour de quelques nuits d'insomnie, sans doute) qui finalement manquent de liant et de développement. Cette absence d'approfondissement, que l'on n'osera pas qualifier de paresse, est peut-être ce qui fait la différence entre les « grands crus » et les « petits crus » de Woody Allen...

L'événement le plus important depuis que l'homme a marché sur la lune

2010-10-09T21:40:00.009+02:00

Jacques Demy - 1973

« L'événement le plus important depuis que l'homme a marché sur la lune » c'est Marcello Mastroianni, moniteur de conduite, qui tombe enceinte de sa délicieuse épouse Catherine Deneuve... Pour un événement, c'en est un, et les docteurs sont formels. C'est tout un monde qu'il va falloir réorganiser maintenant que les hommes peuvent porter des enfants...

Si l'événement en question est plutôt bien amené, dans une première partie délicieusement kitch, entre l'auto-école de Monsieur et le salon de coiffure de Madame, on se demande très vite où tout cela peut nous mener. Jacques Demy fait le choix d'un bouleversement de peu d'envergure, avec l'optimisme qu'on lui connaît. Ainsi, le monde entier se fait très vite à l'idée que les hommes puissent désormais enfanter, et ce sont surtout les médias (par le biais de la publicité, des conférences, des journaux et de la télévision) qui s'en trouvent chamboulés. L'idée de départ est excellente, mais on en a fait le tour rapidement. Heureusement, le film est court, dynamique, et les acteurs sont tous très bons. Demy prend aussi la peine d'effleurer au passage, et avec beaucoup d'humour, la question de la guerre des sexes, dans une époque préoccupée par le contrôle des naissances et la libération de la femme.

Son idée, aussi saugrenue que jubilatoire, a germé dans son esprit alors qu'Agnes Varda et son amie Catherine Deneuve était toutes les deux enceintes. C'est surtout pour rire qu'il s'est amusé à transposer ses deux grossesses, dont elles ne cessaient de parler, sur Mastroianni et lui-même. Il est cependant intéressant d'observer comme le féminisme des deux femmes, qui avaient osé faire partie des « 343 salopes » en 1971, transpire à petites gouttes dans le film.

Parce qu'il aborde le sujet avec légéreté, « L'événement le plus important... » est un film à la fois anodin et attachant. On y retrouve avec plaisir le patte de Jacques Demy, qui s'approprie l'esthétique des années 70 avec un mauvais goût assumé et jouissif (comment résister par exemple à la belle Deneuve, d'habitude si classieuse, quand elle assortit son vernis à ongles bleu à son manteau à poil). Au final, "L'événement le plus important..." 'est un petit film rigolo et sans prétention, qui mérite d'être découvert malgré son manque de notoriété.

Trois places pour le 26

2010-10-09T19:16:00.007+02:00

Jacques Demy - 1988

« Trois places pour le 26 » commence comme une blague de mauvais goût. Nous sommes à Marseille, dans les années 80, et Yves Montand, sexagénaire au sourire fatigué, descend d'un train. Aussitôt, une petite foule de journalistes s'agite et se déhanche autour de lui, tandis que Michel Legrand, au plus bas, s'amuse avec son synthé et sa boîte à rythme dernier-cri. Pendant ce temps, une mère et sa fille, habillées comme des demoiselles de Rochefort, jouent à la dînette. Puis, sans qu'on en sache trop la raison, l'irritante Mathilda May se met à chanter, en faisant tournoyer sa robe toute rose dans son appartement tout bleu...

A ce moment très précis, soyons honnête, j'ai vu mon doigt s'approcher dangereusement de la touche « stop » de la télécommande. Heureusement, quelques instants plus tard, Yves Montand revient et raconte, ému, ses débuts et ses premières amours, sa vraie vie se fondant avec celle que Demy a inventé pour lui... Une heure et demi de film plus tard, les « boum-tchak-clap-clap » de la boîte à rythme de Michel Legrand ne passent toujours pas, et pourtant, je suis encore là, derrière mon écran, à regarder briller les derniers feux du cinéma magique de Jacques Demy...

Finalement, si le film est raté a bien des niveaux, et surtout au niveau musical (il faut voir Yves Montand chanter au milieu d'hommes en mini-short et aux muscles huilés, tout droit sortis d'un clip des Village People...), il parvient à garder, envers et contre tout, un certain charme. Le cinéaste y aborde une dernière fois les thèmes qui lui sont chers, et qui parcourent l'ensemble de son oeuvre (la relation mère-fille, les hasards de l'amour, les émois de jeunesse, et plus que jamais l'inceste puisqu'il est ici consommé), mais il consacre surtout une bonne partie de son film à rendre hommage au cinéma qu'il aime, le « Ciné qui chante » comme il dit. Aussi, dans « Trois places pour le 26 », on a beau être en 1988 (ce que la bande originale ne cesse de nous rappeler à grand renfort de synthétiseurs), les marins en pompons rouges croisent encore les prostituées sur le trottoir, les murs sont toujours habillés des couleurs criardes des « Parapluies... », et Mathilda May fait sa Leslie Caron au côté de Montand qui chante du Gene Kelly habillé en Fred Astaire. Et ce grand hommage, aussi maladroit que vibrant, fait par Demy à ce qui a inspiré sa vie et sa carrière, est définitivement touchant.

La belle de Moscou

2010-08-22T21:10:00.014+02:00

Silk Stockings

Rouben Mamoulian - 1957

Dans la famille des remakes musicaux de chefs d'oeuvres, souvent décriés et mal-aimés, « La belle de Moscou » fait figure d'exception, et tire plutôt joliment son épingle du jeu. Tout en reprenant la trame de « Ninotchka » (où soviétiques et capitalistes s'opposent dans les idées pour mieux s'unir dans l'amour), et quelques unes de ses répliques à l'identique, le film s'éloigne de son prédécesseur par de subtils entrechats... L'intrigue est repensée en musique: les bijoux de la couronne se transforment en un musicien bolchévique expatrié, l'oisif français devient un producteur hollywoodien et la noble russe se meut en une vedette de cinéma un peu cruche. Tout ce petit monde chante et danse à merveille, et entraîne la rigide Ninotchka et ses russes acolytes dans ce joyeux tourbillon capitaliste. Ces nouveaux personnages, notamment celui de Janis Paige, ersatz cruel d'Esther Williams, donnent aussi lieu à une sous-intrigue sympathique, critique charmante de l'industrie hollywoodienne.

Dans un contexte de guerre froide (un peu dégelée), « La belle de Moscou » est de nouveau prétexte à tourner en ridicule l'idéal communiste, tout en ayant le bon goût de ne jamais sombrer dans la propagande... Et si, comme dans « Ninotchka », les soviétiques finissent par se laisser envoûter par le mode de vie occidental, le modèle capitaliste en prend aussi pour son grade (notamment quand il sacrifie la création artistique, déforme les oeuvres sans scrupule, au profit de la rentabilité et de la popularité). A ce niveau là, le film va presque plus loin que son prédécesseur en versant carrément dans l'auto-caricature: un pari osé et réussi, illustré par des chansons aussi caustiques que charmantes.

Comme son original, « La belle de Moscou » souffre de petites longueurs mais reste agréable à suivre, principalement grâce à ses beaux numéros dansés. L'effeuillage de Cyd qui découvre la lingerie fine est incontestablement le plus beau numéro du film (et de la carrière de la belle), mais on pourra retenir également le charmant duo Astaire-Charisse dans le studio et le « red-blues » endiablé des soviétiques nostalgiques... Les chansons du film ne sont pas les meilleures compositions de Cole Porter, mais dynamisent efficacement le film. Finalement, parmi les interludes musicaux, seuls « Without love », inutile et misogyne, ainsi que le « Ritz roll'n rock » (étrange remise à la page du classieux Astaire, qui se traîne à terre dans son beau smoking noir) m'ont semblé inopportuns.

Si le rythme est inégal et la partition imparfaite, les interprètes, eux, sont au diapason, et Rouben Mamoulian, qui signe ici son dernier film, est fidèle à lui-même, toujours minutieux et subtil. Le jeu d'actrice de Cyd Charisse est honnête, malgré l'ombre de la grande Garbo qui plane derrière elle. Il faut dire qu'elle agrémente sa rigidité et son accent outré, d'un jeu de jambes sublime, auquel il est difficile de résister. A presque 60 ans, Fred Astaire demeure un peu âgé pour lui conter fleurette, mais il a heureusement conservé sa classe naturelle, son entrain à toute épreuve, et son allure de séducteur, et, avec le renfort de quelques pas de danse, on finit par croire à leur romance. Une pléiade de seconds rôles merveilleux les accompagne, parmi lesquels l'adorable Jules Munchin, la dynamique Janis Paige et le « déplacé » Peter Lorre.

Tandis que la comédie musicale ne fait plus recette et que la Freed Unit part en lambeaux, « La belle de Moscou » est un joli (mais aussi l'un des derniers) rebond du genre, un divertissement intelligent et agréable, romantique et plein d'humour, aux chorégraphies soignées et aux couleurs chatoyantes, qui se démarque habilement de son illustre modèle.

Donnez-lui une chance

2010-08-22T12:41:00.009+02:00

Give a girl a break

Stanley Donen - 1953

A Broadway, un producteur abandonné par sa star décide de la faire remplacer par une inconnue. Trois jeunes danseuses, soutenues par trois hommes sous le charme, convoitent le rôle. L'une prépare son come-back, l'autre aimerait imposer son style acrobatique et moderne, et la dernière rêverait de faire ses premiers pas sur scène... Toutes trois sont aussi jolies que talentueuses, et le choix final s'avère plus compliqué que prévu...

Tièdement accueillie à sa sortie, en 1953, et presque aussitôt oubliée, cette petite comédie musicale malaimée, faute d'être mémorable, est pourtant sympathique.

Le film était prévu à la base pour Fred Astaire, Gene Kelly, Ann Miller, et Judy Garland. Devant l'impossibilité de réunir de si grands noms sur une même affiche, Stanley Donen dût revoir ses ambitions à la baisse et se contenter d'un budget réduit et d'acteurs de second rang. Résultat: à bien des égards, son film « sans star » lorgne du côté de la série B, de sa durée très courte (1h20 à peine) à ses décors passe-partout (probablement recyclés d'autres films), en passant par des interprètes secondaires dont les talents sont clairement sous-exploités (notamment en ce qui concerne les très bons danseurs Bob Fosse et Gower Champion). C'est pourtant avec plaisir que l'on suit l'adorable Debbie Reynolds, la dynamique Marge Champion et cette jeune danseuse inconnue du nom d'Helen Wood, dans leur quête sans surprise de célébrité. Les numéros musicaux sont sympathiques, bien qu'assez convenus, « déjà-vus » (déclaration d'amour dans le parc, auditions de starlettes, retrouvailles dansées de deux anciens époux, rêveries amoureuses...). Et, malheureusement, le seul qui fasse preuve d'un peu d'originalité et d'audace (celui où Debbie danse avec Bob, à l'endroit et à l'envers, en faisant apparaître et disparaître des ballons de toutes les couleurs), n'est pas du meilleur goût.

« Donnez lui une chance » est une comédie musicale un peu trop courte, trop légère et trop anodine, mais gentille comme tout, dont on peut se passer aussi bien que se délecter.

Récapitulatif - Mois de juillet 2010

2010-08-03T12:41:00.003+02:00

FILMS VUS

* American Graffiti (Lucas) ●●○○○
* Tournée (Amalric) ●●●○○
* La belle ténébreuse (Niblo) ●●●●○ --> sur ce blog
* Mata Hari (Fitzmaurice) ●●○○○ --> sur ce blog
* Vivre un grand amour (Dmytryk) ●○○○○
* Qui a tué Bambi? (Marchand) ●●●○○
* Là-haut (Peterson & Docter) ●●●●○ --> bientôt sur ce blog
* Petits meurtres à l'anglaise (Lynn) ●●●●○
* Les raisins de la colère (Ford) ●●●●○
* Les anges marqués (Zinnemann) ●●●○○
* Agent X-27 (Von Sternberg) ●●●●● --> sur ce blog
* Le grand amour (Etaix) ●●●●●
* Casino Royale (Campbell) ●●●○○

FILMS REVUS

* La peau douce (Truffaut) ●●●●○

Agent X-27

2010-07-29T18:15:00.005+02:00

Dishonored

Josef Von Sternberg - 1931

Après la déception provoquée par « Mata Hari » (avec Greta Garbo), j'osais à peine me confronter à cette autre variation du mythe, interprétée par l'autre grande star exotique des années 30: Marlène Dietrich. J'ai eu bien tort d'hésiter, car « Agent X-27 » est un film d'espionn(ag)e superbe, plein de grâce et d'émotion.

Le carton initial, qui laissait entrevoir une certaine misogynie dans le propos (« l'agent X-27 aurait pu être le plus grand de tous les temps, s'il n'avait pas été une femme »), n'était pas très engageant, et pourtant, parce que X-27 exerce avec ruse et détachement son métier ingrat d'agent secret (qui se résume, au féminin, par de la prostitution patriote) le film se meut presque en une ode féministe, célébration des femmes de caractère qui trouvent leur place dans des mondes d'hommes. L'espionne X-27 n'est ni une femme fatale, ni une femme de petite vertu, ni un agent secret exemplaire. C'est une femme admirable, intègre et fidèle (à son pays autant qu'à elle-même), douée d'un courage exemplaire, qui envoûte les hommes mais sait aussi les aimer, qui vit pleinement mais qui ne craint pas la mort. Le titre « dishonored », imposé par la Paramount, est d'ailleurs tout à fait mensonger, car jamais l'espionne n'apparait comme une pécheresse ou une traitresse: elle garde, bien au contraire, la tête haute et le sang froid, quand les hommes autour d'elle pleurent, s'agitent et fuient.

Von Sternberg a construit un film exalté et passionné, autour de sa jeune muse (qui a conservé les charmes et les rondeurs de Lola-Lola). Comme toujours, il la pare de paillettes et de costumes extravagants, usant d'effets de voilage et abusant des surimpressions. Mais au contraire d'autres de ces films, jamais sa mise en scène ne paraît envahissante: elle est toujours au service du récit et de sa dramaturgie, de la star et de son éclat.

Marlène Dietrich est, dans ce film plus qu'aucun autre, d'une beauté à couper le souffle. Épaulée par son pygmalion, elle a en outre la possibilité de révéler un bel éventail d'interprétations (y compris celle de la charmante idiote aux yeux ronds, à laquelle j'ai bien du mal à adhérer). Souvent silencieuse, toujours hypnotique, Marlène invite à la contemplation et transporte le spectateur dans le monde que Von Sternberg lui a fabriqué, tragique et incandescent. A ses côtés, pour incarner l'amoureux fier et fort, Victor MacLagen s'en tire plutôt bien. Son sourire crispé et constant peut agacer à la longue, mais quand il prend Marlène entre ses bras, avec force et amour, comme elle, on oublie tout... Un vrai délice.

La jolie fermière

2010-07-19T22:35:00.004+02:00

Summer Stock

Charles Walters - 1950

« Summer Stock » est une comédie musicale de très bon calibre, qui réunit à l'écran pour la troisième et dernière fois Judy Garland et Gene Kelly.

Le couple romantique de « For me and my gal » et celui, romanesque, du « Pirate », semblent toutefois loin derrière eux. En 1950, Gene Kelly n'est plus un débutant: il s'est fait un nom à Hollywood, est déjà passé derrière la caméra avec Stanley Donen, et s'apprête à tourner deux de ses plus grands succès (« Un américain à Paris » et « Chantons sous la pluie »). Judy Garland, quand à elle, est une star sur le déclin, rongée par la dépression, l'addiction aux médicaments et la fatigue. « Summer Stock » est son dernier film pour la MGM qui mettra fin à son contrat (et à près de 15 ans de bons et loyaux services) à la suite de cette ultime tentative de réhabilitation.

Tout deux forment un couple bancal et touchant, l'une semblant sans cesse au bord des larmes, l'autre toujours dynamique et professionnel, tentant de soutenir tant bien que mal sa chancelante partenaire. Gene cabotine, badine, fredonne et claquette, tandis que l'étoile Judy brûle ses derniers feux en chantant le bonheur. L'intrigue qui les unit, mêlant l'univers rural à celui de Broadway, est relativement originale. Les premières minutes du film ne sont pas forcément très engageantes, mais la suite se révèle pleine de fantaisie, d'émotion et de situations cocasses. Le tout est enrobé par une romance illégitime (et inhabituelle pour une comédie musicale) où la sage et vaillante héroïne se laisse séduire par le fiancé de sa propre soeur. (Mal)heureusement, cet amour, tendre mais peu moral, ne s'aventure pas bien loin du côté des barrières puritaines, et fini par être régularisé, non sans l'intervention de grosses ficelles scénaristiques.

De toute façon, conformément au code du genre, l'intérêt du film réside surtout dans ses numéros musicaux. Ceux-ci sont par ailleurs très réussis, notamment le survolté et entraînant « Dig for your dinner », l'adorable et tout aussi réjouissant « Get Happy », et le fameux numéro de claquettes sur un parquet grinçant où Gene Kelly danse en compagnie d'une feuille de papier-journal. Le spectacle final, assemblage quelque peu décousu de numéros vraisemblablement impossibles à caler au sein de l'intrigue, se suit également avec plaisir. Il s'agit d'un joli bouquet final, qui compense sans peine la faiblesse du dénouement (pendant lequel l'intrigue se résout en trois petits tours de manivelles, en coulisse).

Du côté des personnages secondaires, rudimentaires mais sympathiques, on retrouve les comiques Phil Silvers et Eddie Bracken (qui ne font pas dans la dentelle mais sont rigolos) et la très charmante Gloria de Haven. Derrière la caméra, Charles Walters (un habitué des comédies musicales) livre une mise en scène discrète et professionnelle (malgré quelques problèmes de synchronisation et de raccords par-ci par-là). Au final, tous les ingrédients sont réunis, le charme opère, et « Summer stock » est un film qui dégage beaucoup d'entrain et de joie de vivre, en délivrant un unique message, aussi simple que bienvenu, « forget your troubles and get happy ».

Mata Hari

2010-07-09T22:35:00.018+02:00

Mata Hari

George Fitzmaurice - 1931

« Mata Hari » est l'un des moins bon Garbo qu'il m'a été donné de voir pour le moment. Il s'agit d'une oeuvre dépassée et inutilement larmoyante, qui revisite à la sauce hollywoodienne le mythe de la fameuse espionne en tombant malheureusement dans les écueils du star-system.

Greta Garbo se meut joliment dans la peau et les vêtements (d'exubérantes créations du costumier Adrian) de Mata Hari, l'ensorceleuse. Il lui manque tout de même un peu de la chaleur orientale et des courbes généreuses de l'original et même quand elle danse en roulant le bassin, elle semble glaciale et inaccessible (il faut dire que la scène a été honteusement coupée au moment où elle devenait sensuelle: on passe ainsi, très brutalement, d'un plan de danse habillée à un nu très furtif marquant la fin d'un numéro d'effeuillage dont on est malheureusement dispensé). Le personnage de la belle espionne est cependant un véhicule idéal pour Garbo, son mystère cultivé et la fascination qu'elle suscite: les studios l'ont bien compris et le film fut un grand succès. Mais voilà, à côté d'elle, on ne trouve pas grand chose, si ce n'est un partenaire complètement inassorti et un scénario relativement médiocre. « Mata Hari » repose donc entièrement sur la Divine, et pour le coup, ça n'est pas assez. On ne croit pas une minute qu'elle soit capable de sentiments en voyant le visage idiot de son prétendant, et on déplore presque qu'elle doive se sacrifier pour un amour aussi fade. De plus, on l'aura vu user d'un jeu plus subtil par le passé, et ses haussements de sourcils réguliers sont rarement convaincants. En outre, rien dans la mise en scène de Fitzmaurice ne retient l'oeil, si ce n'est quelques plans trop travaillés pour être fluides (comme celui où les ombres immenses des gardes se projetent derrière Garbo: un brin trop artificiel).

Bref, on s'ennuie... et ce qui pouvait rendre le film un peu plus captivant a été impitoyablement charcuté par le code Hays quelques années après sa première sortie. Les coupes sont brutales et frustrantes: les scènes d'amour entre l'espionne et son soldat sont quasiment inexistantes (le déshabillé de Garbo était probablement trop sexy, ou les baisers des amants trop fougueux), tandis que la scène d'envoûtement (la fameuse danse où Mata Hari était censée se dévêtir), n'a tout simplement pas lieu. Il faudra qu'on m'explique comment croire, ne serait-ce qu'une seconde, au charme ravageur de Mata Hari et à la romance imprévisible dont elle se trouve frappée, avec cette censure idiote?

Au final, même s'il reste célèbre, je ne peux conseiller ce film (dans la version présentée en dvd et à la télévision, en tout cas) qu'aux curieux et aux fans.

La belle ténébreuse

2010-07-05T22:02:00.007+02:00

The mysterious lady

Fred Niblo - 1928

« La belle ténébreuse » est le sixième film hollywoodien mettant en vedette l'exotique Garbo, qui retrouve au passage un rôle de mangeuse d'hommes qu'elle connaît bien. Du haut de ses 23 printemps, et dans des tenues de toute beauté (rhaaa, cette fourrure dont elle s'enrobe pour sortir, et ces robes en satin qui collent mystérieusement à sa peau), elle vampirise littéralement l'écran... par des regards envoûtants, des sourires malicieux et des baisers fougueux, par un jeu toujours convaincant et un érotisme flou.

Le film commence de manière très classique, avec les balbutiements d'une romance un peu trop belle pour durer. On se croirait presque dans « La Chair et le Diable », avec ses scènes où se consument les coeurs comme les allumettes. Heureusement, point de mari dans le placard cette fois ci: le film effectue un petit virage pour s'aventurer du côté des services secrets, et la trame d'espionnage mêlé d'amour est suffisamment bien ficelée pour qu'on s'y accroche. La fin est en revanche assez expéditive et peu convaincante. Peut-être un final plus mélodramatique aurait-il mieux convenu? Ou peut-être pas... Le scénario n'a de toute façon pas la prétention de casser les trois pattes d'un canard. Le rythme, par contre, est bien maîtrisé: ce qui me fait préférer sans conteste « La belle.. » au presque-ennuyant « La chair et le Diable ». La réalisation est elle-aussi réussie. Sobre mais toujours subtile, elle comporte de beaux jeux de lumière ainsi qu'une utilisation pertinente de la surimpression (une fois n'est pas coutume) dans la scène où le pianiste-soldat rêve de faire taire sa cantatrice de maîtresse.

Le cinéma muet est définitivement le plus bel écrin de Greta Garbo, dont le corps et les yeux de biche semblent avoir été forgés pour s'exprimer en silence. « La belle ténébreuse », malgré son caractère relativement anodin, fut une délicieuse surprise.

A noter: le film est malheureusement présenté par Warner dans une copie médiocre, pleine de griffures et de saletés (surtout dans les premières scènes, où une bonne moitié de l'image est amochée). Je n'ai pas l'habitude de prendre en considération ce genre de détail, surtout pour un film d'âge avancé, mais « La belle ténébreuse » aurait vraiment nécessité un petit coup de restauration avant d'être couché sur DVD.

Récapitulatif - Mois de Juin 2010

2010-07-04T11:09:00.009+02:00

FILMS VUS

* Eraserhead (Lynch) ●●●○○
* Copie conforme (Kiarostami) ●●○○○
* La chair et le diable (Brown) ●●○○○ --> sur ce blog
* Parking (Demy) ○○○○○ --> sur ce blog
* Papillon (Schaffner) ●●●●●
* Le chat (Granier-Deferre) ●●●○○
* Police fédérale Los Angeles (Friedkin) ●●●○○
* Abyss (Cameron) ●●●○○
* On murmure dans la ville (Mankiewicz) ●●●○○
* Ninotchka (Lubitsch) ●●●●● --> sur ce blog
* La manière forte (Badham) ●●●○○
* Dieu seul le sait (Huston) ●●●●○
* La chasse à l'homme (Lang) ●●●●○
* L'ours (Annaud) ●●●○○
* L'illusionniste (Chomet) ●●●○○

FILMS REVUS

* La femme modèle (Minnelli) ●●●○○
* Etreintes brisées (Almodovar) ●●●●● --> sur ce blog
* La belle de Moscou (Mamoulian) ●●●○○ --> sur ce blog
* Summer stock (Walters) ●●●●○ --> sur ce blog
* La valse dans l'ombre (Leroy) ●●●●○ --> sur ce blog

Ninotchka

2010-06-13T13:36:00.005+02:00

Ninotchka

Ernst Lubitsch - 1939

« Ninotchka » est une comédie à la mise en scène habile et au scénario brillant (composé notamment par le célèbre duo Billy Wilder/Charles Brackett), qui conjugue humour et amour en Europe, dans une époque déjà tourmentée. Sans se prendre dans les rets de la propagande heureusement, « Ninotchka » est un film au message politique fort, et on ne s'étonnera pas de le voir remanié pendant la guerre froide (sous forme de comédie musicale) pour appuyer la lutte contre le communisme. Dans le film de Lubitsch, le régime stalinien en prend effectivement pour son grade, et même si la satire reste fine, on n'échappe pas aux stéréotypes. Surtout que face au communisme liberticide, le capitalisme est plutôt épargné (malgré quelques petites piques sur la frivolité et le ridicule bourgeois) et représente une sorte de monde rêvé, fait de luxe, d'amour et de légèreté. Ceci étant, le film parvient à rester subtil sur toute la longueur, et a l'intelligence de condamner l'aspect dictatorial du stalinisme plutôt que de juger fondamentalement les idéaux communistes.

Toute la première partie est un délice, au rythme précis et à l'humour efficace. Le film s'essouffle très légèrement une fois que les noeuds de l'intrigue sont mis en place (globalement, à partir du moment où Ninotchka se dévergonde), mais demeure parsemé de jolis moments, dont la toujours très émouvante scène de censure (qui me fait immanquablement verser une petite larme, y compris dans le remake de Mamoulian).

Greta Garbo est excellente dans le rôle-titre à part peut-être dans sa fameuse scène d'éclat de rire, qui a servi de base à la promotion du film. « Garbo laughs! » clamaient les affiches de l'époque comme s'il s'agissait de l'événement du siècle (alors que la divine suédoise s'était esclaffée dans bien d'autres films). Alors oui, c'est sûr, dans « Ninotchka » Garbo rit; mais d'un rire tonitruant et prolongé qui résonne aussi faux qu'il ennuie, tout simplement parce que le spectateur lui, ne rit pas vraiment. Mais on passera très rapidement l'éponge sur cette scène d'autant que le reste de l'interprétation de Garbo force le respect. Elle est très convaincante dans la peau de cette froide bolchévique qui décrispe peu à peu son visage, et elle parvient bien à révéler les émotions de son personnage par de petits gestes discrets mais efficaces (une bouche qui esquisse un sourire, une larme qui se forme au coin de l'oeil ...).

« Ninotchka » est une comédie « à l'ancienne » brillante et spirituelle, un délicieux moment en charmante compagnie (de Garbo à Lubitsch, en passant par Wilder), doublé d'un regard intéressant sur une époque. On pourra également, et sans honte, se pencher sur son remake musical, « La belle de Moscou », joyeuse adaptation du film par Rouben Mamoulian, Fred Astaire et Cyd Charisse.

Parking

2010-06-12T13:10:00.006+02:00

Jacques Demy - 1985

Ce film est une véritable catastrophe. Compte tenu du talent dont a su faire preuve Jacques Demy dans le passé, on se demande réellement comment il a pu pondre une chose pareille sur un thème qui lui était si cher.

Dans ses rêves, Demy voyait une ode au monde artistique, un hommage à des figures mythiques du rock, à John Lennon ou Jim Morrison. Dans ses rêves, Demy réactualisait la mythologie grecque en la faisant résonner dans les salles de concerts, les boîtes de nuits et les parkings souterrains. Dans ses rêves, Demy réalisait un film superbe avec David Bowie dans le rôle d'Orphée. Alors Demy a décidé de faire vivre « Parking » sur un écran, et le drame musical rêvé deviendra l'une de ses oeuvres les plus calamiteuse.

Avec un budget ridicule et deux acteurs principaux aussi charismatiques que des noix de cajou (un Francis Huster pitoyable et une actrice japonaise choisie sur catalogue), le réalisateur n'était pas aidé. Mais sa volonté d'ancrer le film dans le monde contemporain s'est révélée tout aussi malheureuse, puisque le mythe se retrouve englué dans les kitchissimes années 80, dans des bandanas rouges et des doudounes beiges.

Les éventuelles bonnes idées du scénario sont toutes noyées dans la médiocrité des interprétations et la laideur des décors, mais aussi dans l'extrême vacuité des dialogues et des chansons. La partition de Michel Legrand est une horreur et les textes qui l'accompagnent sont misérables. Le pire étant que ces horripilantes rengaines, entonnées par Francis Huster, à la voix molle et pathétique, s'accrochent à la mémoire.

Définitivement, il n'y a rien à sauver dans « Parking ». C'est un film pénible, sans interêt ni subtilité, qui donne mal au crâne et qui brise le coeur.

La chair et le diable

2010-06-08T18:59:00.007+02:00

Flesh and the devil

Clarence Brown - 1926

« La chair et le diable » est un muet assez mineur, célèbre néanmoins pour avoir été le premier à réunir John Gilbert et Greta Garbo, la petite moustache noire de la star américaine et les longs sourcils arqués de la jolie suédoise. A l'écran, Gilbert est ébahi par Garbo la sensuelle, qui lui donne des baisers la bouche entrouverte et lui jette des regards à faire fondre un roc. Les deux acteurs ne tardent pas à entamer une relation médiatisée hors des plateaux, qui offre une publicité inestimable à la MGM. Le film est un grand succès pour le studio et Garbo gagne en notoriété. Pourtant, en dehors de ce couple bouillant, et de quelques scènes discrètement érotiques, il n'y a pas grand chose à retenir de ce mélodrame longuet et sans surprise...

L'histoire est simpliste et hautement prévisible. Un jeune homme bien, Léo, tombe amoureux d'une pécheresse, Félicitas, qui, après lui avoir fait commettre un adultère et un meurtre, le trahit en se mariant avec son meilleur-ami et frère de sang, Ulrich. A ce stade, on est presque dans un ménage à trois à la « Jules et Jim »... sauf que la bonne morale religieuse intervient, avec ses gros sabots, et fait de Garbo une vraie diablesse, qu'il faut éviter, et châtier, bien sûr.

Bien que le film souffre de cette intrigue désuète et de vraies longueurs, il se laisse suivre sans déplaisir. La mise en scène de Clarence Brown est honnête. Elle nous offre de belles idées et de jolies images (parmi lesquelles un duel en hors-champ, un échange de cigarette sensuel éclairé avec une allumette-ampoule, des larmes de pluie roulant sur le visage de Garbo à sa fenêtre, et une noyade terrible), mais aussi quelques ratés (notamment des effets de surimpressions hideux). Et puis... il y a la Divine... Car c'est évidemment Greta Garbo qui subjugue, avec un jeu moderne et envoûtant. En femme fatale (rôle qu'elle n'appréciait pourtant pas), la clope au bec et des boucles brunes coulant sur son front, elle est sublime, sensuelle, et n'a rien à envier à toutes les autres grandes séductrices du septième art.

Récapitulatif - Mois de Mai 2010

2010-06-01T11:41:00.005+02:00

FILMS VUS

* La scandaleuse de Berlin (Wilder) ●●●●○
* City girl (Murnau) ●●●●○
* Cria cuervos (Saura) ●●●○○
* Camille - 1921 (Smallwood) ●●○○○
* L'homme perdu (Lorre) ●●○○○
* La vénus blonde (Von Sternberg) ●●●○○ --> sur ce blog
* Picnic (Logan) ●●●○○ --> sur ce blog
* Madame de... (Ophüls) ●●●○○
* Anna Karénine (Brown) ●●●○○ --> sur ce blog
* Papa longues jambes (Negulesco) ●●●●○ --> sur ce blog
* Meurtre dans un jardin anglais (Greenaway) ●●○○○
* Le fils du désert (Ford) ●●○○○
* South Pacific (Logan) ●○○○○ --> sur ce blog
* Les ailes du désir (Wenders) ●●●●○
* Irina Palm (Garbarski) ●●●○○

FILMS REVUS

* Le roman de Marguerite Gautier (Cukor) ●●●●○ --> sur ce blog
* Autant en emporte le vent (Fleming) ●●●○○

South Pacific

2010-05-25T18:10:00.010+02:00

South Pacific

Joshua Logan - 1958

Je ne sais pas trop bien ce qui m'a poussée à voir cette horripilante comédie musicale: la curiosité peut-être. Toujours est-il que j'ai eu bien du mal à en arriver à bout.

Dès le premier numéro, pourtant sympathique, je n'ai pu m'empêcher d'esquisser un sourire devant le manque de crédibilité de ces marins qui chantent leur besoin de femmes tout en ayant l'air de sortir d'un défilé Jean-Paul Gautier... On se dit « après tout, pourquoi pas? », mais voilà, par la suite, rien d'autre ne sonnera juste. Rien n'émouvra non plus, d'ailleurs, et surtout pas les insipides intrigues amoureuses qui sont au centre de l'histoire. Pour ne rien arranger, le film est incroyablement long, et le trop-plein de chansons plombe totalement le rythme, toujours désespérément lent, même quand il s'agit de bombardement ou de soit-disant scènes d'action. Oui, car dans « South Pacific », par moment, la comédie musicale se transforme en film de guerre (tout aussi pénible). A la fin, on a même le droit à un pseudo-instant dramatique (qui évidemment tombe à plat), où la belle infirmière prie son bel amant de revenir sain et sauf, suivi par une scène de retrouvailles mièvre au possible. La seule idée intéressante du livret original concerne les préjugés raciaux des américains, mais, dans le film, le racisme des personnages est tout juste esquissé, à peine dénoncé.

La distribution est au niveau du film: fade. Même la joviale Mitzi Gaynor ne parvient pas à tirer son épingle du jeu. Elle se révèle même plutôt mauvaise actrice. Heureusement, elle se rattrape en chanson, dévoilant une voix qu'on ne lui connaissait pas. Et que dire de la réalisation de Joshua Logan, ratée à tous les niveaux. Les filtres colorés, tant décriés, ont bien raison de l'être: ces changements de couleur permanents, absolument injustifiés, rendent les images d'une laideur infinie. Les contours adoucis et les effets de fumée ne sont pas terribles non plus. On se demande vraiment ce qui est passé par la tête du réalisateur pour qu'il dénature de la sorte son film (dont le technicolor de base est pourtant somptueux). On dirait même quelque fois que celui-ci se mélange les pinceaux dans ses couleurs (comme lors du spectacle de Thanksgiving par exemple, tantôt bleuté, tantôt non).

Très franchement, je ne sais pas quoi sauver dans ce spectacle indigeste. Certes, la partition de Rodgers & Hammerstein n'est pas complètement nulle, certaines chansons possèdent même un vrai potentiel. Mais dans ce cas, autant écouter un cd tranquillement, et ne pas se broyer les neurones pendant près de deux heures et demi dans cet océan de miel et de niaiserie.

Papa longues-jambes

2010-05-24T18:41:00.007+02:00

Daddy Long-legs

Jean Negulesco - 1955

Je ne suis pas mécontente de m'être laissée tenter par cette jolie comédie musicale, jusque là évitée car de réputation moyenne. Il s'agit en fait, malgré de toutes petites baisses de tensions ici et là, d'un film au rythme enlevé, plein de bonne humeur et de joie de vivre.

Alors bien sûr, il y a quelque chose d'un peu inconvenant (et à la fois de très rare) dans cette romance entre un milliardaire à la cinquantaine bien tassée et une jeune orpheline d'à peine vingt ans. Fred Astaire avait d'ailleurs hésité avant d'accepter ce rôle qu'il jugeait un peu scabreux. Il fut néanmoins convaincu par sa femme, qui n'a pas eu tort d'y déceler beaucoup d'émotion et de tendresse. La différence d'âge entre les deux personnages transforme ce qui aurait pu être une amourette banale en une relation inavouable, hésitante et touchante, où les amoureux se dévorent du regard sans oser se déclarer, se toucher, s'embrasser... Fred Astaire a imposé la mignonne Leslie Caron dans le premier-rôle (destiné dans un premier temps à Mitzi Gaynor). Celle-ci est loin de posséder le sex-appeal ou l'élégance d'autres de ses partenaires, mais dans ce film, à juste titre, c'est son charme enfantin qui est mise en avant. Non sans malice, elle incarne, radieuse, la jeune (et déjà femme) Julie André, jusque dans une courte (et très belle) séquence dans un café, où elle se rêve Cyd Charisse le temps d'une danse fortement subjective.

La première partie du film est charmante, bien qu'un peu aléatoire dans sa représentation de la France (pays où étrangement, les enfants de 4 à 8 ans parlent excellemment l'anglais entre eux). Mais c'est après avoir traversé l'Atlantique que l'intrigue décolle réellement, et que les premières danses, sublimes, surviennent. Les talents d'Astaire et de Caron sont très bien mis en valeur dans deux beaux ballets, chorégraphiés par Roland Petit, mais aussi dans quelques autres numéros musicaux, sympathiques et très bien intégrés dans l'intrigue (où l'on remarquera, chose rare, que les interprètes réclame souvent de la musique pour accompagner leur chanson, alors que la plupart des comédies musicales se contentent de la faire sortir de nulle part). Le film comporte aussi de délicieux seconds rôles interprétés par Frederick Clark et la géniale Thelma Ritter. Quant à la mise en scène de Negulesco (réalisateur peu fameux de « Comment épouser un millionnaire »), elle est bien sûr moins virtuose que celles des grands noms de la comédie musicale, mais elle se révèle tout à fait honorable dans l'ensemble.

Finalement, « Papa longues jambes » est une comédie musicale délicieusement « fifties », délicate et émouvante, qu'il est grand temps de réhabiliter.

La vénus blonde

2010-05-23T18:04:00.004+02:00

Blonde Venus

Josef Von Sternberg - 1932

« Blonde Venus » est l'une des collaborations les plus mal-aimées du couple Dietrich-Von Sternberg. Rejeté par le public de l'époque, il marquera d'ailleurs le début de la décadence pour Von Sternberg (dont les deux prochains films, « L'impératrice Rouge » et « La femme et le pantin », pourtant excellents, seront des flops retentissants) mais aussi pour Marlène Dietrich, qui ne tardera pas à figurer sur la liste des « poisons du box-office ». Dénigré également par les cinéphiles d'aujourd'hui, il est vrai qu'il s'agit d'un film plutôt anecdotique et imparfait. Pourtant, j'ai été charmée. Peut être plus par la belle Dietrich, que par le reste, certes, mais charmée tout de même.

Tour à tour épouse, mère dévouée, chanteuse, traînée ou meneuse de revue, sans cesse tiraillée entre sa grande indépendance et son sens du devoir, Marlène Dietrich y trouve un très beau rôle féminin. Le film est aussi prétexte à la voir chanter dans quelques numéros musicaux. Au nombre de trois, ceux-ci ne sont pas bien mémorables, à part peut-être celui, aussi captivant que grotesque, où la belle se dévêt d'un costume de gorille, entourée par des danseuses grimées. Le costume d'homme et le charme parisien lui vont tout de même nettement mieux, comme le prouvera sa dernière scène de cabaret.

Le majeur défaut du film repose sur une intrigue un peu trop riche et par conséquent très elliptique. On passe d'un pays à l'autre, d'un lieu à l'autre, d'une scène à l'autre, sans même avoir le temps de s'en rendre compte. Le scénario est lui-même assez décousu et fait voyager Marlène d'une forêt allemande à un cabaret français, en passant par le sol américain, ses night-clubs, ses yatchs, ses taudis, et j'en passe. Heureusement, on suit la star avec plaisir dans ses péripéties. En robe à paillette, en costard ou en haillons, elle est toujours aussi belle (et ce malgré une ligne de sourcils assez effrayante) et on ne peut décemment pas bouder son plaisir. Ses partenaires sont relayés, quant à eux, à un plan très second, mais on saura apprécier les courtes apparitions du très jeune Cary Grant, et le regard adorable de l'enfant (Dickie Moore) qu'elle tient dans ses bras de temps à autre. Von Sternberg, le cinéaste amoureux, n'est pas non plus au meilleur de sa forme. Il ne s'autorise que peu d'exubérances, si ce n'est dans les étincelants vêtements dont il pare l'actrice, et se contente en fait (mais c'est déjà bien) de sublimer sa muse un peu plus à chaque scène.

Finalement, rarement un film aussi bancal et daté m'aura fait passé un aussi agréable moment.

Le roman de Marguerite Gautier

2010-05-22T11:45:00.006+02:00

Camille

George Cukor - 1936

Parmi les héroïnes de drames romanesques, la dame aux camélias, courtisane au coeur d'or, est sans conteste l'une de mes favorites. En écrivant son roman (qu'il adaptera ensuite pour le théâtre), Dumas-fils pensait à la belle Marie Duplessis, demi-mondaine célèbre qui fut pour un temps sa maîtresse. Marie, devenue Marguerite sous la plume de l'écrivain, fut incarnée par une série de comédiennes (et de sopranes), avant d'être imprimée sur pellicule, et de traverser tout un siècle de cinéma. Greta Garbo, dans de belles robes froufroutantes, incarne sans conteste la plus mémorable d'entre elles.

Son jeu est toujours convaincant. Elle a le charisme, la voix et la stature d'une grande actrice dramatique, et l'on pardonne bien vite sa relative théâtralité. En outre, pour une fois, elle trouve un partenaire à sa hauteur, en la personne du beau Robert Taylor. Celui-ci livre une interprétation tout en charme et en finesse du paradoxal Armand Duval, amoureux à la fois passionné mais aussi timide et un peu fade. A eux deux, ils forment l'un des couples les plus glamours d'Hollywood.

L'intrigue est savamment brodée autour de l'oeuvre d'origine. Bien que tout à fait démodé, « La dame aux Camélias » reste une grande histoire d'amour, et un remarquable portrait de femme. Cukor a su transformer le tout en un film magnifique, serti de très beaux décors parisiens et de toilettes ravissantes.

Quant au film de 1921, avec Rudolph Valentino et l'exubérante Alla Nazimova, livré en bonus du dvd, il s'agit d'une curiosité sympathique, mais tout à fait anodine, qui fleure bon les années folles. Marguerite y devient une escort-girl des années 20, évoluant dans un étonnant appartement art-déco qui, à lui seul, vaut le détour. Mais on préférera évidemment se pencher sur la version parlante sus-citée, pour redécouvrir la mythique héroïne du roman de Dumas-fils...

Picnic

2010-05-21T22:41:00.012+02:00

Picnic

Joshua Logan - 1955

« Picnic » s'inscrit dans le genre, très apprécié des années 50, des mélodrames flamboyants. Il en possède en tout cas beaucoup d'attributs. L'intrigue se déroule ainsi dans une petite bourgade du sud des états-unis, accrochée aux conventions et aux apparences, peuplée de jeunes filles soignées et de gens biens sous tout rapport. Puis, le temps d'une nuit caniculaire, un étranger vient bousculer leur petit quotidien et arracher le voile des apparences... Classique! Point de personnages « bigger than life » ici néanmoins: rien que des êtres banals et pathétiques. Le film débute d'ailleurs assez laborieusement, par une présentation de cette galerie de personnages très communs: la petite grand mère qui fait des gâteaux, la jolie fille fade avec qui tout le monde veut se montrer, sa soeur jalouse qui se réfugie dans les études, la vieille-fille qui exerce bien évidemment le métier d'institutrice, le vieux célibataire bourru un peu trop penché sur la boisson, etc.

Si la longue séquence de pique-nique, agréable compilation de micro-scènes, constitue le point culminant du film, la suite s'embourbe très vite, notamment dans une intrigue amoureuse peu passionnante. Il faut dire qu'outre son rythme un peu inégal, le problème majeur de « Picnic » repose sur son couple vedette (Kim Novak et William Holden). Il y a peu d'alchimie entre les deux acteurs, malgré le charisme animal de l'un et la beauté juvénile de l'autre, et les personnages qu'ils interprètent sont lisses et sans surprise. On en vient finalement a être plus touché par les histoires parallèles, tout aussi convenues pourtant, comme celle de cette vieille-fille (interprétée par une Rosalind Russel toujours aussi exubérante), et de son ami. Reste l'idée intéressante de mettre en avant le mal-être illégitime des belles personnes, sujet assez peu exploité au cinéma. Holden et Novak, écrasés sous le poids de leur beauté physique, sont incapables de s'en détacher dans leur relations avec les autres ou de mettre en avant leur charme intérieur (qui est, ceci dit, assez inexistant). Ces deux là étaient naturellement fait pour se trouver, comme le footballeur et la pom-pom girl. Autre idée surprenante: le film s'achève par un « happy end » un peu glauque, où l'amour triomphe sur les convenances certes, mais pour un avenir incertain et probablement peu reluisant.

« Picnic » est le premier film de Joshua Logan, qui signera plus tard quelques oeuvres mésestimées parmi lesquelles l'un des films les plus piteux de Marilyn Monroe (« Arrêt d'autobus ») et de Clint Eastwood (« La Kermesse de l'Ouest »), et des comédies musicales peu reconnues (tel « Camelot » et « South Pacific »). Autant dire que je fus relativement surprise par la subtilité et la qualité de sa mise en scène, qui n'a rien de celle d'un débutant. Si on exclut de petits problèmes d'éclairage dans les scènes nocturnes, et un net souci d'intensité dramatique, celle-ci est dans l'ensemble très honorable et nous donne à voir de jolies images dans un technicolor soigné. Dans l'ensemble, malgré les défauts sus-cités, le film se laisse regarder et reste un peu meilleur que les fresques mélodramatiques à la « Peyton Place » (« Les plaisirs de l'enfer »).

Anna Karénine

2010-05-21T22:18:00.003+02:00

Anna Karenina

Clarence Brown - 1935

Après avoir interprété une première Anna Karénine dans un film muet de 1927 avec John Gilbert, Greta Garbo retrouve le personnage de Tolstoï, près de 10 ans plus tard, pour cette nouvelle adaptation en costume, signée Clarence Brown.

Il s'agit d'un film honnête et plaisant, servi par des interprétations honorables (dont celle du remarquable Basil Rathbone, habitué aux rôles de « méchants », qui joue ici un mari glaçant). Seul Frederic March semble peiner à rentrer dans la peau de son personnage, et ne convainc pas tout à fait dans le rôle du soldat transi d'amour. Quant à Garbo, « elle fait du Garbo dans un film de Garbo », et le résultat est tout à fait satisfaisant, pour qui n'est pas allergique, bien sûr, à ses poses statufiées et à son air grave.

Il est vrai que Greta Garbo n'est pas une actrice à la palette très étendue: on lui a toujours confié plus ou moins les mêmes rôles, et elles les a toujours interprétés plus ou moins de la même manière. Cependant, elle possède une présence indéniable et le charisme des grandes dames du théâtre. A partir du moment où elle a accédé au statut de star, et, par la même, à celui d'icône, ses films n'ont été qu'une succession d'apparats et de piédestaux (plus ou moins glorieux) destinés à la mettre en valeur, et ses personnages, aussi grands soit-ils, ont tous pris son nom. Anna Karénine ne déroge pas à la règle. D'elle, ne reste plus que les beaux costumes d'époques et le destin tragique: tout le reste est vampirisé par Garbo, dont le côté altier et détaché ne sied pas toujours à la fragilité ou au désespoir, mais qui parvient malgré tout à émouvoir.

Le réalisateur nous gratifie d'une très belle mise en scène dans la première partie de film (la scène de banquet, la première apparition d'Anna, le coucher de soleil vu depuis le train, le bouillonnement et l'échange de partenaires lors du bal) avant de revenir vers un classicisme très sage dans la seconde partie.

Etrangement, c'est une fois que les deux amants se retrouvent et vivent leur amour, que le charme s'estompe. Et si on parvient à capter, à certains instants, dans un regard ou une parole, la dimension tragique de cet amour maudit, l'émotion n'est que rarement au rendez-vous.

Il faut dire que le film est, comme couramment à l'époque, de très courte durée (à peine 1h30). L'avantage est que l'on n'a pas le temps de s'ennuyer, malgré la linéarité de l'histoire (une femme adultère décide de préférer son amant à son mari), l'inconvénient est que les enchaînements rapides se font au détriment de l'approfondissement des personnalités et des sentiments. De plus, le film n'est pas toujours bien maîtrisé dramatiquement. C'est le cas notamment, et c'est tout de même un comble, dans la toute fin du film où, après l'apogée que constitue le suicide d'Anna, le réalisateur nous colle une scène surfaite de repentance et le « the end » sur un petit portrait figée de Garbo souriante.

Bien qu'anodin et dispensable, Anna Karénine demeure un film agréable et soigné, qui permet à la belle Greta d'incarner un beau rôle, romantique et tragique, peu avant celui de « La Dame aux Camélias ».

Récapitulatif - Mois d'Avril 2010

2010-05-04T07:49:00.006+02:00

FILMS VUS

* L'héritière (Wyler) ●●●○○ --> sur ce blog
* Derrière le miroir (Ray) ●●●●○ --> sur ce blog
* Sweet Charity (Fosse) ●●○○○ --> sur ce blog
* Hier, aujourd'hui, et demain (De Sica) ●●●○○ --> sur ce blog
* Johnny s'en va t-en guerre (Trumbo) ●●●●○
* Les feux de la rampe (Chaplin) ●●●●●

Hier, aujourd'hui et demain

2010-05-03T22:24:00.013+02:00

Ieri, oggi, domani

Vittorio De Sica - 1963

“Hier, aujourd'hui et demain” est un film construit autour de trois sketchs, cohérents bien que dissemblables, et de deux acteurs, la plantureuse Sophia Loren et le charmant Marcello Mastroianni.

Les films à sketchs appartiennent à un genre assez décrié en général, et il est vrai que la construction segmentée de tels films les rendent souvent inégaux. Mais ici, ça n'est nullement le cas, et l'ensemble gagne au contraire en densité et en richesse du fait de ses trois intrigues différentes: trois tableaux de l'Italie des années 60 où s'aiment trois femmes et trois hommes, dans trois villes et trois époques. La continuité est quant à elle assurée par les deux acteurs qui se baladent de sketch en sketch en donnant la preuve de leur talent. Sophia Loren incarne la femme dans tous ses états (la mère, la grande bourgeoise et la putain), tandis que Mastroianni semble être l'interprète d'un seul et unique personnage: celui de l'homme, l'homme qui subit et se soumet devant l'image idéalisée de l'italienne, belle, forte, capricieuse et castratrice souvent.

Le premier sketch, le plus tendre, le plus long, mais aussi le plus réussi, est inspiré d'un fait divers. Dans une petite ville du sud de l'Italie, une jeune femme force son mari à lui faire des enfants à un rythme effréné afin d'échapper à la prison. On est en plein « néoréalisme rose » (entendre néoréalisme optimisme). Les sept enfants mis au monde provoquent plus de scènes comiques que de problèmes financiers, et l'ensemble du segment est emprunt d'un humanisme qui fait chaud au coeur. Même la prison pour femmes se révèle être une sorte de joyeux couvent où règne l'entraide et la bonne-humeur. De Sica rend clairement hommage, ici, à l'Italie chaleureuse et haute en couleur de son enfance, l'Italie du Sud, l'Italie d'hier.

Le deuxième sketch rompt radicalement avec la bonhomie du premier, en situant son intrigue dans la triste ville de Milan. Adapté d'une nouvelle, il dépeint de manière très « nouvelle vague » une petite tranche de la vie d'une femme riche et blasée, qui s'échappe pour un moment dans le coeur d'un homme, pour mieux revenir à son quotidien ensuite. Ce segment, beaucoup plus court et dépressif que le précédent, provoque une rupture de rythme agréable, tout en décriant l'esprit capitaliste qui envahit l'Italie d'alors, en plein boom économique.

On retrouve des personnages plus sympathiques dans le dernier sketch, où Sophia Loren incarne une sorte d'Holly Golightly à l'italienne (on remarquera la similarité de leur tenue: nudité sous drap de bain blanc, clope au bec, et chat roux dans les bras; mais il va sans dire que Loren est un peu plus en chair qu'Audrey Hepburn). C'est la partie la plus légère et la plus burlesque du film, ce qui a ses avantages (notamment celui de nous coller un grand sourire à la figure) et ses inconvénients (notamment celui de faire cabotiner les acteurs), mais aussi ses moments de grâce (le strip-tease final de Loren, argument commercial de poids, n'en est malheureusement pas vraiment un). Ce dernier segment se déroule à Rome, ville hétéroclite où se croisent et se toisent prostitués et curés. La ville de demain, si l'on en croit le titre du film, est donc une ville où l'on n'est ni riche, ni pauvre, mais seulement libre et gai. Une bien jolie conclusion, ma foi, pour achever cette gentille « comédie à l'italienne », relativement anodine certes, mais toujours réussie et agréable.

L'héritière

2010-05-02T17:32:00.007+02:00

The heiress

William Wyler- 1949

Adapté d'un roman d'Henry James, « L'héritière » est un film étrange et oppressant, jamais totalement romantique, qui prend son temps pour peindre les portraits de ses personnages et du monde clos dans lequel ils évoluent.

La trame se déroule lentement autour de la triste Catherine, femme sans âge et sans charme, qui découvre l'amour et le désamour, se dévergonde puis s'aigrit. Incapable de trouver un mari et de quitter son père, elle trimballe ses yeux hagards (avec quelques rides en leur coin déjà) et sa fadeur, dans des bals interminables où elle regarde les autres danser. Et puis, un soir, elle rencontre le séduisant et mystérieux Morris, qui lui assure qu'il n'a d'yeux que pour elle et qu'il est prêt à éclaircir sa vie morose. Alors, ce qui n'aurait pu être qu'une simple bluette ou une énième variation sur la condition de la femme du XIXe siècle, se meut progressivement en un drame réaliste ambigu, où chaque personnage se livre de manière à la fois honnête et troublante. Les sentiments y sont quelque fois exacerbés, presque trop criants pour être vrais, et d'autres fois tus, dissimulés derrière le mépris ou l'indifférence. Ainsi, on ne parvient pas à distinguer si Morris est cupide ou amoureux, si Catherine est dupe ou consciente, si Monsieur Slopper est méprisant ou simplement trop digne....

A cette mascarade des sentiments, s'ajoute des interprétations brillantes et une mise en scène soignée. Sans maquillage, les sourcils grossièrement dessinés, la coiffure stricte, Olivia de Havilland n'hésite pas à renoncer au glamour hollywoodien pour donner vie à la terne Catherine, et le résultat est tout à fait convaincant. A ses côtés, Montgomery Clift, beau comme un apollon, est un prince-charmant tourmenté, au raffinement négligé, qui semble tantôt épouser parfaitement son personnage, tantôt ailleurs, le regard vide, comme émergeant d'un tout autre film.

Il y a malheureusement toujours un côté froid dans les mises en scènes minutieuses de Wyler. Malgré de beaux mouvements de caméra, l'ensemble manque tout de même de dynamisme, et au détour de très belles scènes, l'ennui menace souvent de poindre. Reste une oeuvre envoûtante par intermittence, agréable à suivre et pesante à la fois, qui mérite évidemment qu'on s'y attarde.

Sweet Charity

2010-04-05T18:07:00.010+02:00

Sweet Charity

Bob Fosse - 1969

« Sweet Charity », remake des « Nuits de Cabiria » de Fellini, suit les tribulations d'une entraîneuse dans sa quête désespérée du grand amour. Charity Hope Valentine (au niveau transparence du patronyme, on peut difficilement faire mieux), en plus d'avoir un job assez peu reluisant dans une boîte miteuse new-yorkaise, a une tendance à donner sa confiance à tout va, et la malchance de tomber constamment sur des hommes louches. Mais la douce Charity garde l'espoir et le sourire contre vents et marées...

Le générique du film, où Shirley MacLaine, un sourire crispant aux lêvres, bondit aux quatre coins de New York dans des arrêts sur image colorés, n'annonce rien de bon... Heureusement, son personnage perd rapidement ses illusions: il se fait larguer par son amant de manière plutôt brutale et commence alors à devenir attendrissant. Puis, viennent les premières touches Fossiennes avec le mémorable numéro « Big Spender ». On comprend alors que « Sweet Charity » ne pourra pas être un film foncièrement mauvais...

Superproduction musicale, adapté d'un spectacle de Broadway éponyme, « Sweet Charity » s'inscrit dans la lignée décadente des comédies musicales des années 60, tout en annonçant la prochaine vague du genre, celle des années 70. Les considérables moyens déployés par la production (les centaines de figurants et de danseurs, le tournage en décors naturels à New York, ...) ont coûté pas moins de 20 millions de dollars. L'exploitation du film ne rapportera, elle, que 4 millions de dollars, ajoutant « Sweet Charity » à la longue liste des échecs financiers d'un Hollywood moribond.

Shirley MacLaine porte l'ensemble du film sur ses épaules, tout en incarnant un rôle d'écervelée vraiment pas évident. Bien que cabotine, elle s'en tire plutôt bien et demeure adorable du début à la fin du film. Il y a définitivement quelque chose de Guilietta Masina dans sa petite bouille souriante, et on comprend tout à fait qu'elle ait été choisie pour interpréter sa digne héritière (en dehors du fait qu'elle commençait à être habituée aux rôles de prostituées au grand coeur depuis « Comme un torrent »).

Bob Fosse, quant à lui, se fait vraiment plaisir au niveau des chorégraphies (qu'il dirigeait aussi à Broadway) et de ce tout premier passage derrière la caméra, on retiendra essentiellement la transpositions de ses danses modernes et rythmées, qui renouvellent totalement le genre. Habitué à la scène, il a manifestement voulu donner du volume au format théâtral en deux dimensions, et exploiter le plus possible l'outil cinématographique en expérimentant toute sorte de techniques et de positionnements de caméra. Il en fait malheureusement un peu trop, et sa mise en scène (faite de ralentis, de surimpressions, d'images figées, de zooms violents, de changements de format troublants ou de sous-titres inutiles) est parfois très perturbante. A titre d'exemple, le premier numéro musical « My personal property », avec ses raccords zoomés brutaux, est assez terrifiant. On mettra néanmoins volontiers cette réalisation bancale sur le compte de l'inexpérience, en se raccrochant à son deuxième et magnifique long-métrage « Cabaret », beaucoup plus digeste et maîtrisé.

Outre sa mise en scène démodée, le film a malheureusement d'autres défauts. L'intrigue s'étire en longueur et s'égare trop souvent, comme lors de la séquence complètement barrée au sein de la secte hippie. La partition de Cy Coleman est inégale aussi: certaines chansons auraient mérité d'être raccourcies voire supprimées (ce qui aurait permis par ailleurs d'alléger considérablement le film). Malgré tout cela, il y a aussi beaucoup de choses à sauver dans ce « Sweet Charity », à commencer par plusieurs numéros musicaux (le one-woman-show de MacLaine sur « If you could see me now », la danse sur les toits qui rappelle beaucoup celle de « West Side Story », et bien sûr les deux danses dans les night-clubs, contorsionnistes à souhait), par le charme de la joviale MacLaine ou les costumes bigarrés d'Edith Head. L'absence de happy-end est également appréciable (notons néanmoins que l'on retrouve en bonus du dvd une fin alternative plus heureuse et conventionnelle), particulièrement pour une production hollywoodienne de cette époque. Dans l'ensemble, « Sweet Charity » reste un film très sympathique, une jolie trace de l'esprit soixante-huitard et du style chorégraphique de Bob Fosse, qui se laisse regarder sans déplaisir et qui parvient aussi à émouvoir...

Un grand merci à Romain pour m'avoir fait découvrir ce film par le biais de son blog.

Derrière le miroir

2010-04-04T16:30:00.007+02:00

Bigger than life

Nicholas Ray - 1956

Quand, un soir comme un autre, entre bridge et futilités, Ed/James Mason s'effondre de douleur dans sa chambre, la vie (pas si) bien rangée de sa petite famille vole soudainement en éclat. L'homme est conduit à l'hôpital illico et le diagnostic est sans appel. Atteint d'une maladie rare, il devrait mourir avant la fin de l'année... à moins bien sûr qu'il n'accepte d'ingurgiter à vie un nouveau médicament miraculeux, aux effets secondaires encore peu maîtrisés: la cortisone. Après quelques semaines, le patriarche est remis sur pied et renvoyé chez lui, avec un flacon de ses précieuses pilules en poche. Sous cortisone, la douleur première est oubliée, mais elle est rapidement remplacée par des épisodes maniaco-dépressifs plutôt gênants. Pour ne plus se voir pleurer comme un enfant, Ed décide alors de forcer quelque peu les doses prescrites...

Derrière le miroir, très vite brisé, se trouve les pilules tentatrices, qui redonnent au personnage sa confiance en lui et exacerbe son sentiment de supériorité. Fini la vie terne et les obligations morales: pris dans un véritable délire mégalomane, Ed envoie valser ses anciens idéaux. Il rompt avec sa femme, qu'il ne traite plus que comme une domestique, décide de prendre en charge de manière tyrannique l'éducation de son fils, se fâche avec l'ensemble de son entourage et finit par quitter ses différents emplois pour s'adonner à la rédaction de sa nouvelle vision du monde. Ed franchit une à une les barrières imposées par la société et la bonne-conscience collective, et à chaque pilule avalée, la frustration qu'il avait tapie au fond de lui (celle de ne pas être reconnu professionnellement, de ne pas pouvoir prendre de vraies vacances, de devoir suivre les règles imposées...) explose dans de nouveaux délires.

Au milieu d'un Hollywood qui fabrique en série les rêves et les modèles de vie, Nicholas Ray bouscule une nouvelle fois (après « La fureur de vivre ») les idéaux de l'Amérique. La cortisone devient alors, comme l'alcool ou la drogue, le révélateur du mal-être de la société américaine. Ed, l'américain lambda, tout d'apparences vêtu, est un homme frustré, éprouvé, enfermé dans une vie terne et sans surprise où il ne peut se permettre aucune extravagance et où il doit pourtant se tenir prêt à tous les sacrifices (double-emploi pour arrondir les fins de mois, dissimulation de la maladie ou de sa situation financière précaire) pour rentrer dans le moule et respecter les standards de l'American Way of Life... Ed a peut-être l'air heureux, mais Ed étouffe, Ed subit, Ed ne supporte pas l'insignifiance de sa vie formatée. Et la psychose mégalomane dans laquelle il s'enfonce se présente alors plus comme la conséquence de cet étouffement refoulé que comme un simple effet secondaire de la cortisone (c'est d'ailleurs à ce titre que la scène finale, où tout s'arrange dans le meilleur des mondes, ne trouve pas de cohérence avec le reste du film).

Nicholas Ray met en image la déconstruction des valeurs américaines de manière intelligente et très esthétique. Le CinémaScope et le Technicolor sont superbement utilisés, et la caméra est toujours très justement positionnée pour construire des plans à la géométrie parfaite. James Mason révèle toute l'étendue de son talent. Homme séduisant aux yeux fous, il inspire tantôt l'angoisse, tantôt la pitié et, comme sa femme, impuissante face aux accès de folies de son époux, on souhaiterait tout lui pardonner, de ses sautes d'humeur à ses envies de meurtre. C'est aussi grâce au charme incontestable de l'acteur, qu'on parvient à accepter le happy-end (pourtant quelque peu indigeste) qui clôt le film. D'une manière globale, on notera que la dernière partie du film (de la relecture effrayante de la Bible à ce happy-end dysharmonieux) reste un peu trop poussive et datée pour convaincre totalement. Néanmoins, « Derrière le miroir » demeure une oeuvre envoûtante, angoissante, qui remet superbement en cause l'image lisse de la famille unie américaine, et qui annonce déjà, à sa manière, le renouveau cinématographique de la fin des années 60.

Récapitulatif - Mois de Mars 2010

2010-04-04T16:23:00.008+02:00

FILMS VUS

* L'impératrice rouge (Sternberg) ●●●○○ --> sur ce blog
* Mélodie en sous-sol (Verneuil) ●●●○○
* The ghost writer (Polanski) ●●●●○
* La reine Christine (Mamoulian) ●●●●○ --> sur ce blog
* Chercheuses d'or 1933 (LeRoy) ●●●○○
* Respiro (Crialese) ●●●○○
* Fantastic Mr Fox (Anderson) ●●●●○
* Scènes de la vie conjugale (Bergman) ●●●●● --> sur ce blog
* A l'est d'Eden (Kazan) ●●●○○
* Soul Kitchen (Akin) ●●●●○
* La habanera (Sirk) ●●○○○
* Les prédateurs (Scott) ●●○○○

FILMS REVUS

* Rivière sans retour (Preminger) ●●●○○ --> sur ce blog
* Match d'amour (Berkeley) ●●○○○
* Comme un torrent (Minnelli) ●●●●○

Scènes de la vie conjugale

2010-04-04T16:19:00.006+02:00

Scener ur ett äktenskap

Ingmar Bergman - 1974

Initialement, « Scènes de la vie conjugale » prenait la forme de 6 épisodes télévisés de 50 min. Leur grand succès à la télévision suédoise encouragea cependant Bergman a en sortir une version remontée pour le cinéma: un autre chef d'oeuvre, d'une durée de 3 heures cette fois, était né.

Dissection d'un couple ordinaire, le film est servi par une mise en images austère, tout en gros plans et en mouvements bancals. Cette sécheresse esthétique met superbement en valeur la profondeur du propos. Bergman capte magnifiquement la psychologie de ses deux personnages, l'homme et la femme, sorte de modèles universels dont nous ne saurions nous évader nous même.

Le film distille d'abord le malaise, en laissant sourdre dès les premières minutes l'hypocrisie et le mal-être sur la peau lisse des personnages, puis laisse doucement s'effriter le couple de papier glacé, au fil des scènes et des révélations, des événements et des disputes. Peu à peu, sous le calque léger de la vie de deux êtres, nous devenons la spectateur de nos propres faiblesses.

Les vérités suintent, comme autant de réflexions de notre propre intimité, et émeuvent, en rappelant sans cesse nos comportements, nos amours, notre incapacité à apprivoiser entièrement l'autre. La première partie du film est d'une perspicacité saillante à ce niveau. La justesse des propos, des situations, des relations, fait presque froid dans le dos tant elle trouve forcement des répercussions dans notre sphère privée. Heureusement, l'auto-analyse ne s'étend pas sur toute la durée du film, et le spectateur peut prendre un peu plus de recul dans une seconde partie où l'histoire devient plus singulière (probablement très proche des expériences du cinéaste), où les époux se retrouvent, se détachent et se rattachent l'un à l'autre.

« Scènes de la vie conjugale » est un film unique et passionnant, qui satisfait un voyeurisme certain en nous en apprenant chaque minutes un peu plus sur nous-même.

La reine Christine

2010-03-11T14:49:00.006+01:00

Queen Christina

Rouben Mamoulian - 1933

Après avoir déserté Hollywood pendant près de deux ans, Garbo « la divine » revient sur les écrans sous les traits de la reine Christine de Suède... un rôle sur mesure pour l'actrice qui a toujours porté en elle le charme et la froideur scandinave, et qui, depuis l'émergence du cinéma parlant, complétait son personnage d'un accent très marqué.

Féministe avant l'heure, Christine est une souveraine éclairée, pacifiste, mais un peu trop libre dans ses pensées. Elle règne le jour et s'instruit la nuit, se déguise en homme, donne des baisers aux hommes comme aux femmes, et fuit le mariage comme la peste... Et puis, un jour, Christine s'offre à un homme, sa vie déraille, et la réalité historique avec.

En totale opposition avec le style de Von Sternberg dans « L'impératrice rouge », Mamoulian livre une reconstitution historique sobre et fidèle. Si elle ne s'autorise aucune extravagance, sa mise en scène, élégante et méticuleuse, force tout de même l'admiration, par une occupation toujours très maîtrisée de l'espace, par des gros plans envoûtants de Garbo distillés aux moments clés du film, et par sa capacité remarquable à magnifier les sentiments.

Evidemment, Hollywood n'a pas hésité, une fois encore, à romancer l'Histoire. Bien sûr, ça n'est pas l'amour qui a amené la reine Christine à abandonner son trône pour des contrées plus ensoleillées (il s'agit en fait de son attirance un peu trop marquée pour la religion catholique), mais cette passion amoureuse, dévorante et cinégénique, nous offre de purs moments d'émotion que l'on ne voudrait échanger pour rien au monde...

Pour incarner son amant, Greta Garbo a imposé une de ses propres conquêtes, John Gilbert, star déchue du muet avec qui elle avait déjà partagé plusieurs affiches. Malgré son interprétation tout à fait honnête, l'acteur ne retrouvera jamais la célébrité et sombrera dans l'alcoolisme. Il faut dire qu'il est difficile d'exister face à une Garbo altière et pleine de charisme, qui vampirise littéralement l'écran. Pas une scène ne se déroule sans elle et la caméra reste toujours à fleur de sa peau. Finalement, Garbo aura rarement été aussi belle et convaincante que lorsqu'elle songe en noir-et-blanc en regardant la neige tomber sur le carton-pâte. « La Reine Christine » est peut-être son plus beau film. Il est en tout cas celui qui lui sied le mieux.